Il y a chez Nada Surf une tradition de reprises, bien avant cet album. Notamment, depuis quinze ans, vous jouez systématiquement Stalemate associée à Love Will Tear Us Apart, de Joy Division. Quelle est l’histoire de cette reprise ?
Matthew Caws : Un soir, Ira m’a appelé. Il avait sa guitare sèche sur les genoux et il m’a dit : “écoute, c’est le même accord !”. Il sait que je suis un fan fou furieux de Joy Division. Et un jour, sur scène, on a mélangé les deux chansons pour nous amuser et ça a collé si bien qu’au fil du temps, on n’a plus su jouer Stalemate autrement. C’est devenu permanent.
Est-ce qu’il y avait l’idée à l’époque de se positionner différemment ? Popular a été un tube énorme et en 1998, vous aviez encore cette image de groupe mainstream. Reprendre Joy Division, ça vous rapprochait d’un univers un peu plus “indie”…
MC : Je ne sais pas vraiment comment te répondre. Est-ce que c’était conscient ? Je me dis que si je prenais une décision consciente comme ça (en me disant “Est-ce que j’essaie d’être cool ?”), ça me déprimerait. C’est vrai que, parfois, on peut faire ce genre de choix si on sait qu’on est mal compris. Mais à l’époque, je pensais que si on essayait de nous redéfinir nous mêmes, ça ne marcherait pas, que ça ne pouvait fonctionner que si ça venait de l’extérieur, plus naturellement. Popular, aux Etats-Unis, ça a été énorme immédiatement, ça passait à la télé, partout. On sortait de nulle part, personne ne nous connaissait. Et à l’époque, je portais des lunettes de temps en temps et on avait le même producteur que Weezer et les comparaisons ont commencé.
Je les aime beaucoup mais je n’ai jamais cru qu’on était le même genre de groupe. Dans les interviews, si on me demandait quels étaient mes groupes favoris, je faisais sans doute des choix par rapport à tout ça. J’aime toutes sortes de musiques. Je m’identifie aux petits labels d’un point de vue esthétique et business plus que d’un point de vue musical. Ça dépend de l’année : en 1994 ou 95, tous mes groupes préférés étaient chez Matador et Merge. Mais ça me rend très heureux d’aimer quelque chose de mainstream, ça me donne l’impression de rejoindre le grand fleuve humain. (Sourire) Je crois que j’ai toujours conscience du fait qu’on ne peut jamais contrôler la façon dont les gens nous voient. Même physiquement, on a l’air assez différents : il y a un mec avec des dreadlocks, Ira peut être très flashy et moi je sui plutôt pull et anorak !
Précisément, en termes d’image, il y a un enjeu autour des reprises. On peut prendre l’exemple de L’Aventurier d’Indochine, que votre label français vous a poussé à reprendre en 2003.
MC : Oui, c’est bizarre. Dans le temps, on avait un manager français et il voulait vraiment qu’on fasse une reprise en français. Les maisons de disques en France nous y ont toujours poussé. Moi j’attendais la bonne chanson. Le côté vraiment cool de notre reprise, c’est que Benjamin Biolay y joue les synthés. Mais quand on nous a présenté la chanson, je ne savais pas que c’était un tube. C’est quand on a commencé à la faire sur les festivals qu’on s’en est rendus compte, c’était énorme. On n’a pas été très à l’aise avec ça. Pour nous, c’était comme tricher. J’aurais préféré reprendre une chanson moins connue.
Nada Surf a eu une histoire un peu compliquée avec les labels, au fil des années. Et sur If I Had A Hi Fi, il y a comme un clin d’œil à cette situation, avec la reprise de The Agony Of Laffitte, que Spoon a écrite après son éviction d’Elektra. Quelle est l’histoire de cette chanson et sa signification pour vous ?
MC : Tout au début, des gens ont vu que ce serait un très grand groupe. Ça n’a pas vraiment marché sur Matador mais Ron Laffitte, le vice-président d’Elektra, a tout fait pour les signer. Il est revenu à la charge jusqu’à ce que Britt Daniel accepte. Le deuxième album de Spoon, A Series Of Sneaks (1998), est finalement sorti chez Elektra mais ça n’a rien fait. Et du jour au lendemain, au moment où le label s’est rendu compte que le disque n’allait pas marcher, Ron Laffitte ne répondait plus au téléphone. Il a laissé tomber le groupe. Britt s’est retrouvé à bosser dans une banque. J’ai fait la même chose, donc toute cette histoire m’intéresse, ça me parle… Et puis Spoon a enregistré cette chanson, The Agony Of Laffitte, qu’on peut prendre pour une blague mais qui est très belle, qui vient du fond du cœur : “En vérité, je ne te demandais qu’un exemplaire d’un livre que je cherchais/Aujourd’hui tu ne vaux pas mieux que Sylvia”.
Il fait référence à Sylvia Rhone, la présidente d’Elektra, qui a aussi laissé tomber Nada Surf très rapidement, comme d’autres groupes que je connais, d’ailleurs. Spoon a donc sorti ce single chez Saddle Creek et tout d’un coup la blogosphère et les critiques se sont affolés et Spoon a commencé à intéresser tout le monde. Cette chanson a été l’étincelle qui a tout rallumé pour eux. Depuis ils sont sur Merge et ça fonctionne plutôt très bien. Et d’une certaine manière, quitter Elektra après The Proximity Effect (1998) nous a également plutôt bien réussi. C’est presque la même histoire. Sauf qu’on a fait Let Go nous mêmes, sans rien, avant de trouver en Barsuk une vraie maison, avec exactement le genre de personnes avec qui on avait toujours rêvé de bosser.
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Il y a aussi sur le disque une reprise de Coralie Clément, qui est très proche du groupe… Entre cette chanson et le morceau de Spoon, est-ce que finalement, ce disque de reprises se révèle assez personnel. Est-ce qu’il dit des choses sur vous ?
MC : Oui, c’est possible. Ce qu’on voulait surtout éviter, c’est le côté scolaire. On ne voulait pas que ce soit du travail. C’était vraiment pour nous amuser. C’est parti d’un deal avec notre ami Louis Lino, qui était coproducteur sur les trois derniers disques et a tourné avec nous comme clavier, à l’époque de Lucky (2008). On devait faire une dernière tournée européenne pour soutenir le disque, tout était parfait : les salles étaient excellentes, tout était complet. On a demandé à Louis de nous accompagner mais il venait de déménager de New York à Austin, pour y monter son propre studio. Il avait du mal à faire décoller son affaire et il ne pouvait pas s’absenter le temps d’une tournée entière. On lui a proposé de le payer un peu plus mais c’était vraiment impossible pour lui. Quand on lui a demandé ce qu’on pouvait faire, il nous a suggéré d’enregistrer un disque dans son studio. C’est important que son nom apparaisse sur une pochette de disque. Et j’ai eu cette idée d’un disque de reprises, qu’on pouvait facilement et rapidement enregistrer dans son studio.
Mais pour moi c’était aussi autre chose : chaque fois qu’on finit une tournée et qu’on revient à New York, la pression sur moi devient énorme, pour écrire la suite. Les deux autres ont la belle vie, ils glandent, ils peuvent sortir tous les soirs mais moi je commence à culpabiliser, à me dire qu’il vaut mieux rester à la maison au cas où l’inspiration viendrait. Alors peut-être que cet album de reprises, c’était des petites vacances pour moi. C’est du boulot, on sort un disque, mais sans la pression. Mais on ne voulait pas faire un disque qui soit un manifeste, où l’intention serait trop visible. Mais si malgré ça, tu y vois un peu de notre histoire, c’est bien. C’est comme un manifeste accidentel. On ne voulait pas faire un disque qui balaie le spectre de nos grandes influences. En plus, tes chansons préférées ne feront pas forcément de bonnes reprises. La chanson de Kate Bush est l’une de mes favorites de tous les temps mais comme je ne peux clairement pas chanter comme elle, on a trouvé naturellement quelque chose d’assez différent.
Est-ce que cet album de reprises vous a, en quelque sorte, appris des choses sur la façon dont vous composez et jouez ?
MC : Sans doute. J’espère que ce n’est pas de la paresse mais je ne sais pas trop quoi. C’est très bien pour moi de chanter les textes de quelqu’un d’autre. Parfois, je pense que je suis trop dedans. Par exemple, mon ami John Vanderslice, lui, écrit sur des épisodes historiques. Moi, c’est toujours mes émotions… Mais en fait, ça n’a pas marché, parce que la plupart des chansons, je les ai choisies parce qu’elles me touchaient et parce qu’elles disent quelque chose que j’aurais voulu dire.
A New York, en mars, vous avez fait trois “album shows” où vous avez joué intégralement Let Go, The Weight Is A Gift et Lucky, la trilogie des années 2000. Etait-ce une façon de faire un bilan, de regarder en arrière ?
MC : Oui, c’est quelque chose qu’on avait en tête depuis un moment et qu’on avait toujours repoussé pour une raison ou une autre. Là, c’était surtout pour se faire plaisir et créer un événement pour les fans. Et ça a déclenché quelque chose, chez moi. Aujourd’hui, on réfléchit au prochain album et ces concerts sont la raison qui m’amène à me demander si on ne va pas faire quelque chose de très différent. Parce que là, après ces trois concerts, je me suis dit : “bon, la power pop, on l’a vraiment faite” (Rires). Pour le prochain disque, j’ai commencé à avoir quelques idées, comme par exemple de composer les rythmiques d’abord puis construite une chanson pop dessus. J’ai écrit pas mal de choses déjà. Là, je suis à l’étape du choix, du “montage”. J’enregistre beaucoup de choses sur cassettes, que je ne veux pas réécouter dans la foulée. Je garde ça pour une autre étape. 90% de ce qu’il y a dessus n’est pas abouti ou utilisable mais pour trouver les 10% qui le sont, il faut que je réécoute tout, pour évaluer. C’est le travail que j’ai à faire, maintenant. C’est la partie du boulot que j’aime le moins.
