Tu avais déclaré au moment de la sortie d’Amoral (2010) que tu souhaitais que l’album ait suffisamment de succès pour vous permettre de continuer, mais pas trop pour éviter au groupe de s’installer dans un certain confort. De ce point de vue, as-tu été satisfait de l’accueil réservé au premier LP ?
Oui, dans l’ensemble. Les réactions de la presse et des médias en général ont été plutôt encourageantes, notamment en Europe. En même temps, je continue à poser un regard assez distant et détaché sur tout ce qui peut se dire et s’écrire à propos de Violens. Cela fait un moment que je fais de la musique et plus les années passent, plus je suis convaincu que c’est avant tout un processus très personnel et presque égoïste. Sachant que le plaisir de l’écoute reste entièrement subjectif, je ne vais pas me prendre la tête pour chercher à deviner ce que les gens aimeront ou pas. Je sais bien que c’est un cliché, mais l’essentiel reste avant tout d’écrire et d’enregistrer des chansons dont je peux être fier et que j’ai envie d’aller défendre sur scène. Tout le reste est assez secondaire.
Dans cette perspective, quels sont plus précisément les éléments que tu as cherché à transformer ou à améliorer sur True ?
Avec le recul, je deviens de plus en plus critique par rapport à Amoral. Disons qu’il y a à peu près la moitié des titres que j’arrive à réécouter sans grincer des dents. Je sais bien qu’il était nécessaire de poser un premier jalon pour affirmer l’existence du groupe, mais je crois que, d’un point de vue strictement esthétique, nous n’avons pas pu disposer des moyens de nos ambitions. Au départ, je voulais que le son de cet album soit l’équivalent musical d’un dessin animé : des couleurs dans tous les sens, quelque chose d’à la fois très ludique et très lumineux et éclatant, un peu comme du Steely Dan. Malheureusement, les moyens techniques et matériels dont nous disposions n’étaient pas à la hauteur. Du coup, j’ai été obligé de tirer le moins mauvais parti possible de notre équipement en le poussant en permanence à la limite de ses capacités et j’ai ressenti presque en permanence un sentiment de frustration. Mais le point le plus important est sans doute que notre manière de travailler a considérablement évolué. L’écriture est devenue beaucoup plus collective puisque Myles Matheny et Iddo Arad ont composé presque la moitié des chansons de True. Cela m’a permis de me décharger sur eux d’une partie des responsabilités et donc de me détendre un peu plus et de prendre davantage de plaisir en studio.
Tout au long de l’année 2011, vous avez publié presque chaque mois un titre inédit sur le site du groupe. N’as-tu pas été tenté de les garder en réserve pour le second album ?
Non, pas vraiment. Je n’ai encore jamais eu de panne d’inspiration et je savais donc que nous aurions encore suffisamment de nouvelles chansons pour True. Au total, nous avions déjà une quarantaine de titres ébauchés. C’était surtout une manière pour moi de rompre avec les rythmes trop contraignants qu’imposent souvent l’industrie du disque : un album tous les deux ou trois ans et une tournée entre chaque. Cela peut convenir à certains mais, en l’occurrence, c’est totalement inadapté à la situation actuelle de Violens. Nous sommes dans une période très prolifique où nous composons énormément chacun de notre côté, y compris pendant les tournées, et où nous devons aussi continuer à progresser au niveau de nos repères collectifs. Après tout, cela ne fait que quatre ans que nous jouons ensemble. Il nous a donc semblé préférable d’en revenir aux bonnes vieilles recettes des années 60 : dès qu’une chanson est prête, on l’enregistre et on la sort la semaine d’après ! Même si ce rythme est parfois difficile à tenir, cela permet à la fois d’aller de l’avant et de conserver un contact avec les fans.
Vous avez également publié cinq de ces neuf titres dans la collection Fragment lancée par le label français Monopsone.
Oui. Je trouve que c’est une excellente idée de sortir une série de EP uniquement en vinyle. Nous sommes rentrés en contact grâce à des amis communs. Ces gars-là possèdent toutes les qualités que nous apprécions et qui nous donnent envie de travailler avec un label : ils sont honnêtes, sincèrement dévoués à la cause qu’ils défendent et passionnés de musique.
Au passage, tu as réussi à trouver le temps de produire d’autres artistes, comme Devon Williams ou Erika Spring d’Au Revoir Simone. Qu’est-ce-que t’apporte ce travail de producteur ?
En dehors du fait que les chansons ne sont pas les miennes et que je ne suis pas obligé d’écouter ma propre voix, c’est toujours le même plaisir. Qu’il s’agisse de produire un artiste ou même de remixer un morceau, l’énigme à résoudre est identique : comment rendre justice de la meilleure manière possible à une œuvre compte-tenu des moyens techniques qui sont à ma disposition ? Pour moi, ce n’est pas non plus très différent des interrogations et du plaisir que je pouvais ressentir en tant qu’étudiant en arts plastiques : la console et les instruments ont remplacé les toiles et la palette, c’est tout. J’ai souvent tendance à associer la musique à des sensations visuelles. Mes groupes préférés m’ont toujours fait cet effet, qu’il s’agisse des Cocteau Twins ou de Pale Saints. Leurs chansons les plus réussies se rapprochent d’une forme de perfection ou d’équilibre entre les couleurs musicales que je peux retrouver chez les peintres. C’est donc comme cela que j’essaie de raisonner quand je suis en studio.
Vous avez récemment signé avec Slumberland, pour quelles raisons ?
À un moment, nous avons hésité à publier nous-mêmes True, dans la foulée des singles digitaux sortis l’an dernier. En même temps, il y a une grande différence entre mettre en ligne quelques chansons sur notre site et assurer la distribution et la promotion d’un album. Nous n’avions pas envie de consacrer trop de temps et d’énergie à faire autre chose que de la musique. Il était également exclu de signer directement avec une major parce que nous ne voulions pas nous retrouver face à des interlocuteurs anonymes qui ne connaitraient pas bien le groupe. Slumberland est un label que nous connaissions avant tout en tant que fans et qui nous a contactés pour nous proposer un partenariat. Même si la diffusion numérique rend les artistes plus autonomes, cela reste important de pouvoir travailler avec des intermédiaires que l’on connaît personnellement et qui restent accessibles en cas de besoin.
MILITAIRE
La production de ce second LP semble un peu plus dépouillée, presque plus proche du son des premiers EP.
Oui, je tenais à corriger un peu le tir. Le son est donc plus brut, moins saturé d’effets. Nous nous sommes beaucoup inspirés des albums de Sonic Youth des années 80 ou de ceux de Cleaners From Venus. Je n’avais pas envie d’enregistrer un disque lo-fi, mais j’ai beaucoup réfléchi à l’évolution de tous ces groupes que j’adorais quand j’étais jeune : avec le succès, ils ont commencé à bénéficier de moyens de plus en plus conséquents. Ils ont cherché à produire des albums de plus en plus parfaits dans des gros studios mais, à chaque fois, ils ont perdu une grande partie de leur charme initial. Nous avons donc visé un certain point d’équilibre : une sorte d’album mid-fi en quelque sorte. (Rires.) Nous avons également accompli un travail de simplification du même type au niveau de certains textes. Le refrain de Totally True, par exemple, est sans doute le plus direct et le plus fédérateur que nous ayons jamais enregistré. Je souhaitais aussi que True soit plus cohérent, qu’il puisse être écouté comme un tout et pas seulement comme une collection de chansons. J’ai donc essayé que le son soit plus homogène en travaillant, pour chaque chanson, à partir d’une trame acoustique à laquelle nous avons ajouté ensuite quelques éléments supplémentaires. Nous avons également passé beaucoup plus de temps à réfléchir à l’ordre des morceaux de manière à ce qu’ils finissent par constituer les maillons successifs d’une chaîne. D’ailleurs, plusieurs d’entre eux sont reliés les uns aux autres par des transitions musicales au lieu d’être simplement juxtaposés.
Les harmonies vocales, en revanche, sont toujours aussi sophistiquées et soignées. C’est presque devenu la marque de fabrique de Violens.
En tout cas, c’est sans doute ce qui est le plus amusant à concevoir et à enregistrer. Nous sommes tous les trois de grands fans des groupes vocaux des années 1960, notamment de The Association ou The 5th Dimension mais aussi des Cocteau Twins. D’un autre côté, cela commence à devenir très problématique sur scène. Nous ne sommes pas les Beach Boys : nous jouons trop fort pour que l’on puisse entendre les subtilités des harmonies.
On y découvre aussi deux titres, Unfolding Black Wings et All Night Low qui sont sans doute les plus brutaux de votre discographie. Est-ce une manière de convaincre enfin les sceptiques de ton amour authentique pour le black metal ?
(Rires.) C’est vrai que les gens ont parfois du mal à me croire quand je leur dis ça. Ces deux chansons sont jouées sur un tempo extrêmement rapide, qui ressemble presque à celui d’un très vieil album punk. Je dis souvent aux autres que je les considère comme nos chansons d’attaque : le rythme est presque militaire. De manière générale, j’ai tendance à penser que la musique est toujours plus intéressante quand elle repose sur des contrastes très marqués. Je trouvais stimulante l’idée de faire cohabiter au sein d’un même morceau cette batterie ultra agressive et ces guitares distordues avec une mélodie et des lignes de chant très douces et délicates et d’essayer de faire coexister harmonieusement ces différents éléments. Au final, c’est sans doute cette recherche du point d’équilibre qui reste l’aspect le plus passionnant du travail de groupe.
