TOM HINES (photographe, coréalisateur du clip Amanaemonesia) : Patrick a grandi dans le Tennessee et Caroline dans le Connecticut, à l’ombre des capitales mondiales. Dans quelle mesure vos origines ont-elles influencé la manière de composer du groupe ?
Caroline Polachek : À toi l’honneur, Patrick. Tu as vécu dans la capitale musicale des États-Unis.
Patrick Wimberly : C’est vrai que l’industrie nationale du disque a ses quartiers généraux à Nashville et mes parents ont choisi de s’y installer en partie à cause de cette histoire. Mon père était animateur radio, il a bossé dans le milieu pendant une bonne partie de sa vie. La musique était le ciment de ma famille, mais j’ai très vite ressenti le besoin de prendre mes distances avec la région. J’ai beaucoup de respect pour la musique country et ce qu’elle représentait à l’origine, quand elle sentait le souffre et faisait souffler un vent nouveau, mais le genre a moisi. Quand je retourne dans le coin, je me rends dans les bars honky-tonk du centre-ville. Le jour, on y joue de la country FM merdique, et quand la nuit tombe, dans les bouges typiquement sudistes, des musiciens incroyablement talentueux se produisent. Le problème, c’est que ce sont les mêmes qui s’enferment toute la journée dans des studios pour débiter ad libitum de la country commerciale. Quel dommage que des instrumentistes aussi doués soient cantonnés à un tel registre… C’est pour ne pas croupir dans une ambiance pareille que je devais me tirer.
CP : (Espiègle.) Et tu faisais partie d’un célèbre groupe de country quand tu étais au lycée.
PW : Ah oui, je jouais dans Habbit. Avec deux “b”.
CP : Deux “b” ?! Je ne savais pas pour la faute d’orthographe, c’est encore plus naze ! (Rires.) Moi, je viens du quartier de Riverside dans le Connecticut. Comme beaucoup, mes parents faisaient l’aller-retour à New York tous les jours. Les deux régions ne sont pas très éloignées, mais la lointaine banlieue est plus huppée et beaucoup de personnes qui bossent dans la finance à New York élèvent leurs enfants dans ce coin. J’allais dans un lycée de bon standing, et c’est là que j’ai connu mes premiers émois musicaux, car en dehors de l’école, il n’y avait aucune scène locale, rien… J’ai longtemps été à fond dans la musique classique, chantant dans trois chœurs d’églises différents et dans une chorale a capella qui comptait uniquement des filles – nous revisitions déjà des titres pop, préfigurant ainsi ce que j’allais faire avec Girl Crisis (ndlr. chorale féminine new-yorkaise qui poste les vidéos de ses reprises sur YouTube). Puis j’ai chanté dans deux groupes de néo-metal. À cette époque, je traînais presque exclusivement avec des mecs et j’apprenais beaucoup sur la musique à leur contact, pour le pire et pour le meilleur. Ils écoutaient Tool, Deftones, etc. New York faisait alors figure d’eldorado. On allait voir des concerts là-bas, ceux de Björk ou Sigur Rós, et je me rappelle très précisément des moments passés dans la ville lors de ces courtes virées. New York paraissait si cool, c’était le paradis à portée de mains. J’y croisais furtivement d’autres enfants auxquels je m’identifiais et j’étais intimement persuadée que c’était l’endroit où je voulais vivre.
Grandir dans le Connecticut, à l’écart du lieu rêvé mais tout de même assez près pour pouvoir fantasmer concrètement dessus, m’a permis de cultiver un désir que je ressens encore aujourd’hui, là où des amis qui ont toujours habité à New York sont devenus blasés. Après le lycée, j’ai vécu un temps à Bruxelles, où j’étudiais dans une école d’art par le biais de mon beau-père, qui est belge. J’ai découvert Frank Zappa, Chick Corea, Miles Davies, le trip hop… À cause de la relation que la Belgique entretient avec l’Afrique, la musique locale est très métissée, l’indie rock est presque marginalisé au profit de courants plus underground, progressifs ou expérimentaux.
Petite, j’étais déjà fascinée par les peuples anciens et la façon dont l’Europe devait traiter avec sa propre histoire, si riche et ancestrale. Comprendre assez jeune que mon pays d’origine avait une existence récente a été formateur. J’ai aussi passé une partie de ma plus tendre enfance à Tokyo. Mes parents, qui sont multilingues et ont toujours beaucoup voyagé, étaient des mordus de culture japonaise, et en tant que jeunes adultes, ils voulaient travailler et vivre au contact de la culture asiatique. Mon père, qui est pianiste, jouait et écoutait de la musique classique à la maison, comme ma mère d’ailleurs. Mais après le divorce, maman a vécu une seconde jeunesse. Elle est devenue chic, acceptait des rencards et écoutait Sade, Seal, et tous les trucs cool du milieu des années 90. J’étais perturbée, je me disais : “Mince, ça a l’air cool Sade, mais ma mère est fan, alors est-ce si cool que ça ?” Elle a aussi toujours écouté Isabelle Antena, que j’adorais. À six ans, je chantais ses chansons sans rien comprendre au français… Mais tout cela relève plus de nos parcours personnels que d’une quelconque appartenance géographique.
ANNIE HART (Au Revoir Simone) : Caroline, ta gentillesse m’a toujours éblouie. Te côtoyer est tellement rafraîchissant et inspirant. Cette attitude positive a-t-elle influé sur ta carrière ? Quel est ton secret pour conserver un tel état d’esprit ?
PW : Un type de notre premier label nous a fait cette déclaration un jour : “C’est tellement revigorant de travailler avec des gens aussi agréables que vous dans un milieu de plus en plus hostile et destructeur d’amitiés ”.
CP : Contrairement aux idées reçues, le milieu de la mode est plus hospitalier qu’on ne le pense, et celui de la musique devrait en prendre de la graine.
PW : J’ai toujours pensé que la simplicité était un atout, mais il n’y a rien de réfléchi dans notre attitude.
CP : Mon état d’esprit découle de mon envie de m’amuser, tout bêtement, à la manière d’enfants enthousiastes toujours partants pour l’aventure. Cela fait presque de nous un groupe anti-cool d’ailleurs, dans le sens où on ne se la joue pas à la Velvet Underground, avec l’ironie et l’arrogance que cela suppose. Je précise qu’Annie est la personne la plus adorable qui soit, alors peut-être que la question en dit également long sur elle. (Sourire.)
PHOENIX : Ça fait quoi de tourner avec John Maus ?
PW : Ça fait : “Woooouuuuaaaaaaahhhhhhh !” (Rires.) Quand il jouait du clavier pour nous (ndlr. aux mois de septembre et octobre 2009, Chairlift assurant les premières parties de Phoenix), il était agacé par les spectateurs qui filmaient le concert avec leur téléphone – John a un vrai problème avec ça, il veut que le public s’implique –, alors il quittait son poste et courrait vers les spectateurs en question pour leur gueuler dessus : “ Woooouuuuaaaaaaahhhhhhh !” (Rires.)
CP : Tourner avec John Maus, c’est comme conduire une voiture avec une bombe à retardement posée sur le siège arrière. Il est vraiment spécial, mais je l’aime beaucoup, nous sommes amis. Nous lui avions envoyé un message sur MySpace pour lui dire que nous étions fans de son album Love Is Real (2007), qu’il était une source d’inspiration pour nous, et que s’il voulait qu’on fasse une tournée ensemble, c’était banco. Il a répondu à notre message… plus d’un an après. Il racontait qu’il avait vu la pub pour l’iPod quatrième génération avec Bruises (ndlr. extrait du premier album de Chairlift, Does You Inspire You, 2008) en fond sonore et qu’il était d’accord pour faire une tournée avec nous. On a commencé à flipper. (Rires.) Nous lui avons proposé un job de claviériste car nous voulions étoffer notre son sur scène et il a dit oui immédiatement. Plus tard, John nous a avoué qu’il avait d’abord détesté Bruises en voyant la pub, avant de se rendre compte que s’il détestait tant la chanson, c’était parce qu’il la trouvait géniale et qu’il était perturbé de l’entendre dans un spot télé. De notre côté, nous n’avons jamais eu peur de passer pour un groupe de vendus en acceptant l’offre d’Apple. À l’époque, on ne prenait même pas Chairlift au sérieux, nous étions une bande de gamins avec plusieurs chansons en poche et nous n’avions rien à perdre. Et puis que signifie le terme indie aujourd’hui ? Dans les années 90, c’était un sacerdoce DIY qui supposait une attitude pacifiste et intelligente d’opposition. The Moldy Peaches, Pavement, Stereolab… Jorge (ndlr. Elbrecht, meneur de Violens et chéri de Caroline) définirait cette notion comme des “gosses qui se rebellent contre les brutes du glam en faisant de la twee”. Aujourd’hui, être indie signifie avoir la vingtaine, être individualiste et faire du commerce avec l’esthétique des vieux disques et du shopping vintage. C’est peut-être une conséquence de la récession, mais l’indie n’a plus rien à voir avec l’idée d’opposition, c’est plutôt une question d’assimilation. Pour en revenir à John Maus, il apporte l’orage sur scène, il maltraite les claviers quand moi je les effleure. En coulisses, il engage des conversations très intéressantes et fait partager ses avis tranchés, enthousiastes ou agacés.
PW : Il fait des blagues vraiment dégueulasses aussi.
CP : Et il cerne en un clin d’œil la personnalité des gens.
TOM HINES : Le titre du single Amanemonesia (2011) est un néologisme qui joue sur des ambiguïtés phonétiques, mais qui dans le fond en appelle aux recoins obscurs et inconnus de la psyché humaine. Quant à Bruises (ndlr. « ecchymoses » en français), c’est un terme plus concret que l’on peut interpréter de façon métaphorique, mais qui dérive toujours vers cette vision intérieure et expérimentale. Est-ce que le caractère abstrait d’Amanaemonesia dénote un changement de philosophie dans l’esthétique de Chairlift ou est-ce plus prosaïquement une variation à partir d’un thème récurrent (sic) ?
CP : Elles sont super les questions de Tom… Non, il ne s’agit pas d’un changement de philosophie. Notre esthétique et nos thématiques sont constantes, il suffit d’écouter les chansons Planet Health, Earwig Town ou Ceiling Wax sur notre premier album pour s’en rendre compte. Mais disons que nous en sommes plus conscients aujourd’hui. Nous sommes devenus meilleurs pour mettre en forme les rêves, pour les rendre plus réalistes. Comme le dit Tom, Bruises était un songe qui dérivait d’une situation très concrète – mon genou tape contre la table, j’imagine des fraises… Pour Amanaemonesia, ce fut l’inverse : un rêve auquel nous avons voulu donner corps, comme s’il fallait aller le pêcher dans des eaux profondes. Cela dit, nous avons eu beaucoup de mal à écrire les paroles d’Amanaemonesia car nous avons d’abord composé la musique.
Quand les paroles sont écrites avant la musique, comme pour les titres Met Before ou Sidewalk Safari, c’est réglé, on termine le morceau en deux coups de cuiller à pot et c’est forcément une pop song. Mais quand la musique arrive en amont, trouver les mots appropriés est un vrai casse-tête. On a tendance à vouloir se conformer à la nature de la mélodie, comme si la musique devenait le sujet même des paroles. En l’occurrence, Amanaemonesia sonne comme la bande-son d’une galerie commerciale, alors tu as presque envie de chanter : “Je vais au supeeermarchééééé/Je vais aller acheter des lééééguuuuumes”. Mais on a fini par opter pour un texte complètement farfelu, à la Dr. Seuss, et on a torché l’affaire en trois minutes. En dehors de Guilty As Charged et Turning, tous les textes du nouvel album ont été rédigés à quatre mains, dans la même pièce.
PW : Pour Turning, je me rappelle très bien avoir regardé Caroline tout faire de A à Z. Je l’ai juste ravitaillée en café. Dans une dynamique de duo, quand on sent que quelque chose de spécial est en train de se passer, il faut savoir se mettre en retrait pour laisser l’autre prendre toute la place. Les paroles dont je suis le plus fier sont celles de Caroline sur le refrain de Guilty As Charged : “If I gave you what you were asking for/You didn’t want it anymore”.
CP : Des paroles réussies doivent associer humour, confusion et sentiments profonds. Something n’est pas construit autour d’un thème en particulier, mais il se dégage clairement du disque une humeur générale, qui correspond à l’état d’esprit dans lequel nous nous trouvions quand nous l’avons réalisé. Un mix entre désillusion, fin de la naïveté, et sentiment coupable d’irresponsabilité. Des états d’âme propres aux personnes qui ont la vingtaine passée j’imagine, quand l’énergie se mêle au désabusement. On souhaite devenir une meilleure personne, mais on réalise qu’il reste encore pas mal de problèmes à résoudre avec soi-même et avec les autres. En ce qui concerne mon histoire avec Aaron, disons qu’elle n’a pas pu ne pas m’influencer, puisque c’est mon ex, mais en aucun cas sur le plan musical.
PW : Aucune chanson n’aborde le sujet.
CP : Euh, si, Guilty As Charged aborde totalement le sujet. Je l’ai écrite il y a trois ans lorsque nous étions en train de nous séparer. Le flottement lié au départ d’Aaron a duré assez longtemps. L’existence de Chairlift a été remise en cause à ce moment-là et je me suis battue pour conserver le nom du groupe ; Aaron nous donnait du fil à retordre (ndlr. Il mène depuis son projet solo Rewards). Je ne l’aurais pas fait si je n’avais pas été persuadée qu’il y avait un lien entre les nouvelles chansons et les anciennes, qu’elles s’inscrivaient dans une même histoire. Le fonctionnement de Chairlift en tant que duo est ensuite devenu plus rigoureux. Nous étions critiques sur ce que nous faisions car nous avions à l’esprit que des gens allaient écouter notre musique. Alors, nous tachions d’être plus rigoureux et plus ambitieux, de limiter la palette des sons pour réaliser une œuvre cohérente et personnelle.
ETHAN SILVERMAN (Terrible Records) : Si vous deviez écrire une chanson avec le chanteur et rappeur The-Dream, quel serait son titre ? Pouvez-vous chanter le refrain ?
PW : Il faudrait inventer un mot, comme pour Amanaemonesia.
CP : Non attends, pourquoi pas Shawty Like A Kangaroo ? (Rires.) Ou plutôt, Shawty Like A Roo ! (Caroline chante). “She’s bouncing up and down in the club/Bouncing up and down in the club/Shawty like a roooooooo/Shawty like a roo-roo”. Énorme en Australie. (Rires.) Nous sommes sensibles au renouveau R&B actuel, nous aussi aimons choyer la rythmique.
PW : Sur le nouvel album, Guilty As Charged et Take It Out On Me possèdent ce tempo particulier, ce groove, cette accentuation sur le beat.
CP : Ghost Tonight aussi. Ce que j’aime dans le hip hop, c’est le sens de l’humour des artistes et leur conscience de faire une musique ancrée dans le présent, presque jetable. Personne ne tente de composer LE classique qui traversera les époques, au contraire, une chanson peut devenir obsolète dans la minute, ils le savent et ils s’en foutent. Ils n’ont pas peur du futur, ni d’Internet ou de la dématérialisation. Je trouve que c’est une attitude plus progressiste que celle des hipsters qui marmonnent (sur un ton moqueur) : “Oh, on va tout sortir sur cassette pour laisser une trace. Parce que la musique est tellement jetable de nos jours, les gens n’écoutent que des MP3 méga-compressés, oh mon Dieu”. Pour moi, la pop doit vivre avec son temps et ne pas s’occuper d’être atemporelle avant l’heure… Pourquoi nos chansons, même les plus pop, se parent-elles d’une touche de bizarre ? Parce que quand tu travailles sur un titre depuis pas mal de temps, tu as envie de te surprendre toi-même, alors tu instilles de la fantaisie pour continuer de t’amuser.
PW : Je crois surtout que nous sommes instinctivement bizarres. (Sourire.) Je suis fasciné par les savants qui étaient considérés comme fous à leur époque parce que leurs idées paraissaient absurdes, alors que l’avenir leur donna raison. Voilà résumé, pour moi, le rôle des artistes. Manipuler l’inconvenable, déstabiliser, échapper au confort pour faire avancer le schmilblick. Et je ne dis pas cela de manière superficielle, c’est vital à mes yeux.
CP : Ce qui me touche dans l’art a un point commun : l’étrangeté mêlée à l’expression de quelque chose de spirituel. L’art de Francis Bacon, par exemple, tellement violent et étrange, mais à la fois si familier et universel.
ERIKA SPRING (Au Revoir Simone) : Caroline, si les notes que tu chantes (si bien !) avaient une couleur et une forme, quelles seraient-elles ?
CP : Impossible de répondre, chaque note a une couleur différente pour moi. Mais il y a deux ans, je suis allé voir un coach pour soigner mes cordes vocales, qui souffraient de plus en plus en tournée. Ma visite n’a pas été concluante, mais le professeur – il était rigolo, du genre new age – m’a dit que j’avais la voix d’une loutre et un chant d’igloo. (Rires.) Mon timbre était d’un bleu-gris pâle pour lui. Je chante différemment sur le nouvel album. Grâce à l’expérience de la scène, j’ai expérimenté des façons singulières de passer d’une note à l’autre, sans transition, comme on peut faire glisser des diapositives. J’aime aussi faire basculer brutalement les tonalités pour donner la quasi-impression d’entendre de l’autotune. Je le fais sur Amanaemonesia ou sur Wrong Opinion et je le ferai encore plus sur le prochain disque. Pour moi, chanter revient à jouer du synthé, j’essaie de trouver différents moyens de moduler le son. Et la façon de chanter est aussi importante que la mélodie en elle-même, voire plus. C’est l’élément humain. Pour faire une comparaison, si la mélodie est une route, le chant équivaut à la manière dont on conduit sur cette route.
ELIZABETH HARPER (Class Actress) : Quel est votre panneau de signalisation préféré ?
CP : Il se trouve aux États-Unis, en Californie. Un étrange assemblage de lettres avec des “z” et des “y” partout. Je ne m’en souviens jamais, mais dès que je passe devant, je suis épatée (ndlr. Caroline évoque le panneau indiquant la Zzyzx Road, en plein désert de Mojave).
PW : J’aime bien celui-là (ndlr. Patrick montre la photo d’un panneau précisant, illustration à l’appui, que les chiens ne sont pas autorisés à courir sur la route). Ça m’a fait rigoler.
CP : Dans Girl Crisis – où chantent Elizabeth Harper, Annie Hart et Erika Spring –, nous nous retrouvons à midi et nous filmons la reprise en début de soirée. Passer une bonne partie de la journée ensemble permet de parler de tout sauf de musique. Une fois entrées dans la vie active, les femmes n’ont plus l’occasion de passer ce type de moments entre elles, comme des bonnes copines de lycée qui parlent de choses intimes. Surtout à New York, où les vies sont très solitaires ou très chargées, et où la moindre fête est surpeuplée. Sur un plan personnel, j’aimerais jouer de plus en plus avec ma part de féminité. Quand je repense au nouvel album, je regrette presque qu’il soit si… androgyne. Aucun texte ne spécifie si le sujet est une fille ou un garçon ! Mais en concert, ce sera différent. Maintenant que je me cantonne au chant, j’ai pleinement conscience de mon statut d’objet sexuel sur scène, mais pas dans une optique de soumission, plutôt dans le sens où je commence à en jouer. Je réalise aussi de plus en plus la différence entre musique “sexy” et musique “sexuelle”. La première est partout, la seconde demande beaucoup d’honnêteté parce qu’elle suppose une part de laideur et d’inconfort. Comme l’album Wit’s End (2011) de Cass McCombs, qui n’est pas sexy, mais sexuel. Idem pour John Maus, Violens, Chairlift ou Ice Choir. J’attends le prochain effort pour me pencher sur le sujet.
TOM HINES : L’esthétique de Chairlift prend racine dans la culture Internet du mème et rend hommage aux innovations technologiques. C’est quoi ce bordel ? N’y a-t-il plus de place pour un songwriting rock’n’roll ?
CP : Nous sommes des geeks, c’est évident. On n’est pas rock’n’roll pour un sou, même si Patrick a un comportement plus débraillé que le mien. Mais tout le monde reconnaît aujourd’hui que les geeks sont les nouveaux punks. De nos jours, le seul moyen de se rebeller contre les institutions est d’utiliser Internet et les données informatiques, de toucher un grand nombre de personnes en très peu de temps, comme pendant les récentes révolutions, quand des points d’appui se créaient sur Facebook. Mais c’est drôle que Tom utilise le mot “mème” (ndlr. le terme définit un élément culturel qui se transmet par l’imitation, et dans sa variante moderne, un élément qui contamine la toile, comme les “lolcats”). J’ai commencé à l’employer après avoir lu un article horrible sur le site HipsterRunoff.com, que je n’ai plus jamais visité depuis d’ailleurs. Il évoquait le nouvel album de Panda Bear sans jamais parler de musique, simplement en analysant ce que signifiait aujourd’hui le fait d’être membre d’Animal Collective en tant que mème. J’étais effrayée en lisant un texte qui prenait du recul avec tant de cynisme… Cela dit, même si Jorge me répondrait vertement qu’il ne s’agit que de conneries ineptes publiées par un tabloïd 2.0 – ce qui est vrai –, je pense qu’il y a une part de vérité là-dedans. Dans le sens où l’importance d’un groupe se mesure autant à ce qu’il a apporté à la culture de son époque qu’à la qualité intrinsèque de sa musique. Par exemple, Animal Collective est arrivé avec cette attitude très instinctive et chaotique. Le groupe paraissait porté par un esprit de liberté cultivé à l’abri des radars de la société normée, sur un lopin de terre où régnaient le psychédélisme et l’artisanat. MGMT aussi est arrivé avec ses propres signaux culturels… Si je devais définir Chairlift de ce point de vue ? Je ne peux pas. Ça me glace le sang d’y penser car, par définition, c’est s’inscrire dans l’éphémère. Or, je suis angoissée à l’idée que les choses ne dureront pas. Je préfère parier sur l’avenir, prendre des risques et avancer pour des choses que j’imagine pérenne. Comme vivre avec une personne en étant sûr que l’histoire sera éternelle… C’est la seule façon de vivre en tant qu’être humain.
MGMT : Vous préférez les friandises Fruit Roll-Ups ou Fruit Gushers ?
PW : Enfin une question facile ! Fruit Roll-Ups, évidemment.
CP : Fruit Gushers, sans hésitation.
PW : N’importe quoi.
CP : Nous serions heureux de connaître un jour le même succès que MGMT, mais nous avançons à notre propre rythme, et même si cela ne nous arrive jamais, on ne criera pas au drame. De toute façon, je crois que je ne serais pas prête à vivre ce qu’ils ont vécu. La complicité qui existe entre MGMT et nous est très naturelle, même si c’est parfois déstabilisant d’être amis avec des musiciens qui deviennent célèbres. On a vécu tellement de choses ensemble, et soudain, on ne les retrouve plus qu’à quelques reprises dans l’année. Tu en viens à te demander si tu es vraiment proche d’eux ou si une distance s’est installée, si tu n’es pas devenu un fan plus qu’un proche… Mais la proximité se réinstalle de manière intuitive, on traîne ensemble et tout redevient comme avant.
DAN CAREY (producteur de Something) : Comment se présente l’Echo Forecast la semaine prochaine ? Faut-il prendre ses précautions ?
CP : (Sourire.) Il faut expliquer ce qu’est l’Echo Forecast. J’avais des prises de chant délicates à faire pour l’album, comme sur les chansons Cool As A Fire ou Frigid Spring, alors on avait mis au point un signal qui me permettait de savoir précisément quand je devais commencer à vocaliser. On a baptisé ce système Echo Forecast. L’expression est ensuite devenue une tarte à la crème que nous utilisions pour parler de tout et de rien, du beau temps, etc. À la base, nous n’avions aucune idée de la personne avec laquelle nous devions enregistrer. C’est vrai que nous avions bossé un peu avec Chris Taylor (Grizzly Bear, CANT), qui est très talentueux, mais ce n’était pas la bonne solution. Alors notre label a organisé des rendez-vous avec différents producteurs. À peine cinq minutes ont suffi pour réaliser que Dan était l’homme de la situation. Son sens de l’humour, sa chemise mal boutonnée, ses cheveux hirsutes, les faux squelettes humains accrochés dans les coins, ses chaussettes de couleurs différentes… Le courant est passé immédiatement et nous avons commencé à travailler à partir des démos que nous avions largement ébauchées. Dan nous a aidés à les équilibrer et à densifier l’identité de chaque son, à rendre les tonalités chaudes encore plus luxuriantes, et les teintes froides encore plus glaciales, comme des cris de dragons argentés. Wrong Opinion est un bel exemple. Dan a aussi un passé dub et on retrouve de légères touches d’échos typiques de ce genre. En ce qui concerne l’intervention tardive d’Alan Moulder sur I Belong In Your Arms et Met Before, tout s’est déroulé via… Skype !
JORGE ELBRECHT (Violens) : L’invention de la guitare électrique a fait naître le rock’n’roll, et celle du sampler le hip hop. A/Pensez-vous que le nouveau genre musical sera lié à une invention ? B/Cette invention sera-t-elle désignée par un mot qui inclura le terme “hyphen” ?
CP : La dernière invention qui a touché la musique, c’est peut-être l’ordinateur portable avec le logiciel GarabeBand incorporé, qui permet à n’importe quel gamin d’enregistrer à domicile.?
PW : Mais Jorge parle carrément d’un nouveau genre musical à part entière.?
CP : Ah oui… Björk a inventé des instruments pour son dernier album ? C’est de la connerie pure ! J’ai vu une vidéo de son engin, c’est un gadget géant, sûrement très amusant et très cher, mais dont je peux reproduire les sonorités en deux secondes sur mon ordi… Nous discutons sans arrêt de musique avec Jorge, de l’évolution de nos groupes respectifs, des nouvelles techniques sur lesquelles nous bossons – Jorge est un féru de l’enregistrement, moi je me concentre plutôt sur les arrangements et l’exécution –, de notre méfiance commune vis-à-vis la commercialisation actuelle de la musique, etc. Avec le temps, il a peut-être réussi à me persuader que la sobriété vestimentaire était le meilleur moyen de représenter sa musique, alors que j’avais naturellement tendance à aller vers l’excentricité, mais le but n’est pas de convaincre l’autre. Jorge et moi n’avons pas formé de groupe à proprement parler, mais nous avons réalisé un album ensemble il y a un an. Nous ne sommes pas pressés de le mixer, ni de le sortir… Je ne m’imagine pas vivre avec quelqu’un qui ne parlerait pas de musique avec moi. J’ai toujours été attirée par les musiciens à l’école, ou par des artistes passionnés. L’art nourrit mes rêves et retrouver cela chez l’autre est le minimum pour que je puisse être attirée. Ce n’est peut-être pas une bonne chose, Marina Abramovic disait “qu’un artiste ne devrait pas tomber amoureux d’un autre artiste”, mais je ne peux pas faire autrement. La musique est toute ma vie.
