Magicrpm.com : Ce n’est pas la première fois que vous jouez dans le coin. Est-ce que vous aimez particulièrement performer à Paris ?
Dean Allen Spunt : J’adore ! Mais c’est si loin de chez nous que l’on ne peut pas y venir aussi souvent qu’on le voudrait. La dernière fois qu’on a joué ici, c’était dingue, le public était incroyable. Mais je crois que ce soir ça va être encore mieux.
Vous tournez avec Abe Vigoda en ce moment, qui sont de Californie comme vous. Autant dire que c’est encore la scène gravitant autour de la salle The Smell qui envahit l’Europe.
DAS : Ce sont des vieux potes. Ils ont commencé à jouer à The Smell en 2004 je crois, et nous en 2001. On les a rencontrés là-bas. Le Smell est un endroit spécial car il est à la fois DIY, alternatif et ouvert à tous. L’alcool n’est pas autorisé à la vente, donc pas besoin d’avoir 21 ans pour entrer. Seule la punk attitude fixe les règles : entreprendre quelque chose d’unique sans penser aux profits.
Je me rappelle d’un type qui faisait la sécurité…
DAS : Daniel ! Un exemple typique de ces trucs étranges qui ne peuvent survenir que là-bas. En gros, c’est un SDF qui fait la sécurité à l’entrée de la salle. Et il prend son rôle très au sérieux ! Si jamais tu y vas, je te conseille le bar juste à côté, le Jalisco. C’est un bar gay mexicain où la bière est à 2 dollars. (Randy débarque alors après avoir checké sa petite amie.) On parlait du Smell…
Randy Randall : Ah ouais cool !
La Californie vous manque les gars ?
DAS : Oh ça oui… Les potes, le climat, la famille, et surtout la qualité de vie : habiter dans une maison, pas dans un van ! Mais on aime bien être en tournée aussi, quand on peut rencontrer les gens et jouer notre musique. On adore la scène.
Diriez-vous que LA est le nouveau Brooklyn ?
RR : Naaaaaan, pas du tout ! Brooklyn, c’est devenu cheesy et surfait. Les journalistes ont trop porté aux nues cet endroit, il a fini par perdre son caractère authentique. Voilà l’histoire : c’était cool, les gens ont lu que c’était cool et ils ont déboulé pour y vivre des trucs cool. Mais leur envie ne venait pas du cœur, c’était un désir superficiel.
DAS : Le problème, c’est que les gens débarquent à Brooklyn uniquement pour porter des fringues stylées et se la péter à Williamsburg. Être des hipsters et rien d’autre.
Les choses changent d’ailleurs. Récemment, on a appris que Dave Sitek était venu s’installer à Los Angeles, et ce n’est qu’un exemple parmi tant d’autres. Est-ce que vous observez une migration de Brooklyn vers votre fief ?
RR : On ne connaît pas ces types qui débarquent, on ne traine pas avec eux. LA, c’est très grand, chacun peut faire ses trucs dans son coin.
DAS : Je dirais que Los Angeles ressemble peut-être au Brooklyn du début des années 80, ou de la fin des années 70, quand c’était encore pauvre et sans le sou. Los Angeles est une ville immense, on y trouve une grande liberté d’action. Mais le plus important reste cette colère diffuse qui règne dans l’atmosphère. C’est un peu cliché à dire, mais par exemple, conduire là-bas est horriblement frustrant, il y a beaucoup de trafic(s), les tensions sont palpables.
Cette tension influence votre musique ? Serait-elle totalement différente si vous n’habitiez pas à LA ?
DAS : Je ne saurais pas dire jusqu’à quel point, mais oui, je suis sûr que la ville nous influence. Pas forcément sa violence, mais les banlieues alentour, le fait qu’il existe des lieux comme The Smell où on peut s’ouvrir à différentes disciplines artistiques, l’idée que des formations comme Black Flag ou les Minutemen y ont émergé. Les groupes ont la rage à LA.
Vous êtes plutôt Black Flag que Beach Boys ?
DAS : Eh eh… En fait, les deux viennent du même endroit, entre Hermosa Beach et Hawthorne. Ça illustre ce que je disais d’ailleurs, dans le sens où la région peut à la fois engendrer les gentils Beach Boys et les méchants Black Flag. Greg Ginn, le guitariste de Black Flag, est un weirdo fini. À l’instar de Brian Wilson… ou de moi d’ailleurs ! Quiconque s’investit corps et âme dans son art a l’impression de ne pas rentrer dans les cases. Plus généralement, tout le monde a un traumatisme avec Los Angeles. Quand tu dis que tu viens de là-bas, les gens s’exclament, du genre : « Merde, t’es encore en vie ? Mais qu’est-ce que tu fous là-bas ? ». Soit ils pensent que t’es un gangster qui jongle avec des flingues, soit ils te prennent pour un aspirant kéké qui se la pète à Hollywood.
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Revenons à votre musique et au nouvel album Everything In Between. A-t-il été facile à enregistrer ?
RR : On a passé plus de temps que d’habitude à travailler dessus. On écrivait pendant quelques semaines, on enregistrait pendant quelques jours, puis on revenait à l’écriture. En comptant tout, on a dû passer six mois sur le disque, avec des pauses et des concerts de temps en temps. Cette longue période de gestation nous a permis d’avoir une meilleure vision des chansons, une meilleure perspective, de les voir grandir sur la durée, de mieux cerner leur potentiel, de comprendre comment elles pouvaient fonctionner ensemble.
DAS : On a aussi composé plus de démos que d’habitude. Plus que pour Nouns, notre effort précédent. À l’époque de Weirdo Rippers, on devait avoir vingt morceaux maximum, qui ont tous fini par sortir, que ce soit sur l’album ou via des maxis.
RR : Ce délai rallongé ne s’explique pas par un manque d’inspiration ou un problème de discernement, c’est simplement qu’on en avait besoin pour arriver au bout de nos ambitions. Nous n’aurions pas pu aller plus vite. L’album serait complètement différent si on avait gardé les premières chansons enregistrées. Au final, nous sommes super fiers de ce disque.
C’est le deuxième pour Sub Pop. Qu’est-ce que ça a changé de passer sur un label comme celui-là ?
DAS : On dépoterait la même musique si on n’était pas chez eux, mais ce qui est bien avec Sub Pop, c’est que les personnes qui s’occupent de nous montrent un intérêt sincère pour ce que nous faisons.
RR : Ils sont très attentifs à nos idées et sont toujours motivés par nos nouveaux projets. Par exemple, pour le nouvel album, la version vinyle est vendue avec un livret de 48 pages, un truc qu’ils n’avaient jamais fait avant. Ils nous préviennent que « ça va coûter cher », mais ils soutiennent quand même nos choix. Et puis ils savent y faire quand il s’agit de vendre des disques ! Il n’y a pas de magazine, de site ouaibe internet ou de boisson énergisante qui contrôle tout derrière, c’est juste un label qui a le double avantage d’être à la fois indépendant et de bénéficier d’une large audience.
Sub Pop charrie une sacrée histoire, et à ce propos, j’ai vu que vous aviez joué récemment avec Pavement et Sonic Youth à l’Hollywood Bowl. Comment c’était ?
RR: Ils sont tous étonnamment cool !
Je trouve justement qu’Everything In Between a un petit goût de Sonic Youth, le SY pop.
RR : Ils sont une énorme influence pour moi. Quand j’ai commencé à faire de la musique vers 13 ou 14 ans, je les écoutais énormément.
DAS : Moi je suis plus Minor Threat…
RR : C’est une inspiration moléculaire, presque chimique. Il y avait quelque chose chez eux qui me touchait tellement que ça a fini par instiller dans mon esprit l’image de ce à quoi la bonne musique devait ressembler. Ils ont forgé ma vision de ce qui sonne bien. Ils m’ont bousillé les tympans, tu comprends mec ?
DAS : Pour ce qui est de Pavement, je n’ai jamais été très fan jusqu’à il y a peu. J’ai écouté quand j’avais 18 ou 19 ans, mais je n’accrochais pas. Et puis un jour, je suis allé chez un disquaire qui vendait des trucs d’occase et j’ai acheté Crooked Rain. Je l’ai écouté dans la bagnole, et j’étais là : « Ah ouais, mais je connais cette chanson ». Je passais à la suivante et je la connaissais aussi, la suivante aussi… En fait, je les connaissais toutes nom de dieu ! Je ne crois pas qu’ils constituent une influence pour nous, mais ce sont des types dont on respecte l’œuvre.
Vous êtes trois sur scène maintenant. Est-ce que vous vous considérez toujours comme un duo ?
DAS : Absolument. No Age, c’est Randy, moi et personne d’autre. Sur scène, c’est juste un pote qui joue ce que l’on a écrit. Il n’est pas présent sur le LP.
RR : Notre disque est gorgé de synthés, de samples, et comme on voulait restituer correctement ces versions en live, il nous fallait quelqu’un pour jouer les parties additionnelles. Ni plus ni moins.
Et ça se passe bien ? Vous allez continuer comme ça encore longtemps ?
RR : On ne sait pas trop, on avisera en fonction du prochain album. Pour le moment, la meilleure façon de présenter Everything In Between au public est d’avoir un troisième membre, nous verrons pour l’avenir.
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Cette formule à deux est-elle essentielle pour vous ? Vous faisiez auparavant partie du trio Wives, comment vous est venue l’idée : « Oh et puis merde, faisons un duo » ?
RR : De façon très basique. On voulait faire de la musique ensemble, nous n’avons pas cherché à nous poser plus de questions. Être deux, c’est aussi une façon de défier la construction mélodique, de semer la routine en forçant la créativité.
D’autres duos ont joué un rôle ? Comme les White Stripes ou Lightning Bolt ?
DAS : Pas du tout, même si j’adore Lightning Bolt. Un des meilleurs groupes vus en live. C’était en 2000, avant la sortie de leur premier disque. L’un de ces moments qui changent à jamais ta façon d’envisager la musique. C’était dingue, ils portaient des masques de cartoon et jouaient de façon si intense, pourtant personne ne les écoutait vraiment… On devait être quatre pékins dans la salle. En tout cas, pour des gens qui trainaient au Smell, former un duo n’était pas quelque chose d’incongru.
J’ai lu un article où l’auteur présentait No Age comme « le mariage de drones, de fuzz et de larsens avec d’occasionnels rayons mélodiques qui émergent des craquements. » Ça vous branche ?
RR : Je pense quand même qu’il y a plus de mélodies que de bruits dans nos morceaux… Mais j’aimerais bien entendre ce groupe qui débite des « drones, du fuzz et des larsens », ça a l’air super ! Pour être honnête, de mon point de vue, on fait de la pop. Pareil que les Beatles… Notre musique, c’est comme une radio toute pétée qui diffuserait les Smiths.
DAS : Pour nous, une bonne chanson se doit d’être accrocheuse. Sans pour autant faire de la musique pour les masses ou pour les stades.
RR : On se sentait un peu marginaux quand on était plus jeunes, puis un jour on s’est rendu compte que ce n’était pas un problème, au contraire, on pouvait le revendiquer. On a découvert que c’était possible de faire uniquement ce qui nous plaisait, enregistrer des albums pour nos potes…
Ouais mais maintenant, vous avez quand même BEAUCOUP de potes !
RR : On ne pensait pas qu’on en aurait autant, pour sûr ! Mais c’est eux qui nous ont trouvé, on n’est jamais allé les chercher.
Il y a quelques mois, vous avez accepté de créer en direct une nouvelle BO pour L’Ours de Jean-Jacques Annaud. Comment avez-vous été impliqué dans ce projet ?
DAS : On ferait bien de la jouer ici d’ailleurs !
RR : C’est un pote de LA qui a demandé si on voulait faire un ciné-concert. On devait choisir une œuvre et je me suis rappelé que dans ma jeunesse, dans les années 80, il y avait beaucoup de films animaliers. À l’époque, on ne faisait pas parler les animaux avec des effets spéciaux, c’était des films avec très peu de dialogues et beaucoup de place pour la musique. Du coup, on a choisi L’Ours : j’avais été marqué par ce film un peu bizarre, un peu effrayant, un peu triste. On a donné trois représentations de ce genre. À Seattle, Los Angeles et New York.
Faire une BO n’était pas une première puisque vous aviez déjà composé pour le film de Todd Cole, Aanteni.
DAS : C’est toujours un défi de participer à ce genre de projet. On doit écrire de façon plus visuelle, ne plus penser à simplement enchaîner les couplets et les refrains.
Vous avez joué ici il y a deux ans, presque jour pour jour. Comment vous voyez-vous dans deux ans ?
RR : Qui sait ? Peut-être qu’on vivra sur la Lune dans deux ans. Le futur est une « aire » imaginaire très intéressante. J’aimerais rejouer ici dans cinquante ans ! En fait, j’arrive mieux à me projeter dans cinquante ans que dans deux ans : une barbe grise, probablement chauve, un peu plus gros, en train de jouer une espèce de jazz-noise comme un croisement entre John Fahey et Neil Young. Et une vingtaine d’enfants à charge.
DAS : Moi je serai très maigre et je radoterai : « Hey Randy, tu te rappelles du bon vieux temps… ».
RR : On habitera un ranch dans le Montana. Dean sera le prof de musique de mes vingt mioches.
DAS : Je leur filerai des cours de yoga aussi. Cool.
