The Boo Radleys est un groupe culte, membre de la catégorie des losers magnifiques. La réédition de deux albums chez Cherry Red, label historique de Felt ou d’Eyeless In Gaza, ne sera qu’une preuve supplémentaire venant étayer cette bien triste constatation. Sous le feu des projecteurs pendant le mitan des années 90, le groupe de Martin Carr était alors considéré comme le futur du rock, voire comme les nouveaux Beatles. “Album of the year” du NME en 1993 avec Giant Steps, The Boo Radleys collectionnait les succès critiques, décrochant la même année le trophée du meilleur disque auprès des lecteurs des Inrockuptibles. Une paire de distinctions qui était alors tellement signifiante qu’elle se passe de commentaire. Un buzz qui fut transformé, deux ans plus tard, lorsque Wake Up! (1995) atteignit la première place des charts anglais, en particulier grâce au succès du single Wake Up Boo!. Mais toute cette fièvre disparut de manière stupéfiante. Aussi étonnant que cela puisse paraître, on sait que l’effacement quasi instantané des écrans radars est un lot commun dans l’histoire du rock, avant ou après la naissance d’Internet, et que le phénomène a touché des formations qui semblaient aussi solides que, au hasard, The Wedding Present après Seamonsters (1991). Violente fut donc la chute de The Boo Radleys, le groupe retombant dans l’anonymat le plus complet, avant de splitter dans l’indifférence générale à la fin des années 90, après la publication de Kingsize (1998). D’ailleurs, son nom est absent de la majeure partie des dictionnaires et autres encyclopédies du rock, fussent-ils indépendants.
L’an passé, il ne figurait même pas dans The Beat Goes On, la rétrospective des groupes de Liverpool exposée au National Museum de la ville. Comment, donc, cette histoire, digne d’une tragédie grecque, a-t-elle pu se dérouler sous nos yeux ? Sans chercher à expliciter l’indicible, on peut donner ici quelques éléments de réponse qui ne pourront que motiver le lecteur qui s’intéresse aux chefs-d’œuvre de la pop moderne. Comme 1985 fut l’année où The Velvet Underground & Nico (1967) a été redécouvert par la communauté indie, il est tant d’affirmer l’importance et le rôle historique de The Boo Radleys. Formé autour du compositeur Martin Carr et du chanteur Sice, le quatuor débute dans le maelström sonore du mouvement shoegazing. Après un premier album autoproduit (Ichabod And I, 1990), il signe sur Creation, le label de l’époque qui a le vent en poupe. Une signature au bon endroit et au bon moment. En 1991, Alan McGee édite la trilogie qui fera entrer Creation dans la légende, Loveless (My Bloody Valentine), Screamadelica (Primal Scream) et Bandwagonesque (Teenage Fanclub). Les Boo Radleys, qui possèdent alors le son du jour, figurent dans le peloton de tête de la noisy pop, plaçant quelques EP bien sentis. On se rappelle de cette soirée nantaise de janvier 1992 où, fraîchement débarqués en France, ils ouvraient pour Lucie Vacarme et The Little Rabbits, et où ils damèrent le pion à l’ensemble du plateau, toutes guitares dehors et cheveux au vent. Le deuxième LP, Everything’s Alright Forever (1992), est donc publié chez Creation. Derrière le besoin de stabilité que trahit le titre, l’album est un des fleurons de la période shoegazing. Mais au-delà des perles de mélodies soniques que constituent Does This Hurt? ou Skyscraper, on peut, en y repensant rétrospectivement, déceler quelques failles qui accéléreront plus tard la perte d’intérêt porté au groupe par les médias. Au-delà de la musique, c’est sans doute l’image – ou plutôt l’absence d’image – qui handicape The Boo Radleys.
Son nom composé jure par rapport à la norme de la nouvelle scène (Ride, Blur, Lush, Moose). Face aux coupes au bol impeccables de Slowdive ou de Ride et à la beauté naïve et juvénile de la “scene that celebrates itself” de Londres, les Boo Radleys se présentent comme un rassemblement hétérogène de musiciens provinciaux aux looks approximatifs. Qu’importe en fait, puisque dès 1992, le mur du son commence à passer de mode et semble signaler la fin de cette scène. C’est à ce moment-là pourtant que la lumière jaillit, The Boo Radleys transcendant les modes en accouchant du bien nommé Giant Steps (1993), un chef-d’œuvre improbable qui fait l’unanimité. Osé, le titre est ouvertement une référence à John Coltrane, et le disque est digne de Revolver (1966) ou Pet Sounds (1966). The Boo Radleys a domestiqué la matière sonore paroxystique de sa période bruyante, et la conjugue avec des arrangements remarquablement travaillés. Martin Carr, le guitariste et compositeur exclusif, concrétise l’album qu’il a en tête. Il a utilisé une palette d’instruments extrêmement large (de la trompette à la clarinette basse, du violoncelle au cor de chasse) et invité ses amis : Muriel Barham, la chanteuse de Pale Saints sur Rodney King, ou Moose au grand complet sur I Wish I Was Skinny. La voix lumineuse et fragile de Sice transperce le cœur de l’auditeur, accompagné par une musique baroque et contrastée (Leaves And Sand). Les chansons sont construites à partir d’une superposition de couches sonores improbables, tout en restant incroyablement mélodiques (Butterfly McQueen). Plus encore, ce qui surprend, c’est le clin d’œil à des genres musicaux à l’époque peu familiers de l’indie pop dans laquelle on a voulu trop souvent cantonner The Boo Radleys, comme le clin d’œil electro dub proposé par le single Lazarus ou les claviers psychédéliques de Best Lose The Fear.
Voilà que par un coup de force créatif, The Boo Radleys opère une sorte de jonction entre The La’s, Massive Attack et Love à base de lignes vocales immédiatement mémorisables et savamment mélancoliques. C’est un choc. Le groupe reprend la route, mais l’ego de Martin Carr commence déjà à enfler. L’auditoire des concerts, pourtant convaincu, critique le volume sonore souvent extrême qui empêche d’apprécier la qualité incontestable du répertoire. Lorsque Wake Up! sort dans les bacs, en 1995, c’est un événement. Très pop, le disque renferme bien quelques tubes (Wake Up Boo!, Stuck On Amber), mais n’atteint pas, sur la longueur, la qualité de son prédécesseur. Martin Carr se lance dans des soli de guitare peu convaincants (Reaching Out From Here), les trompettes sonnent creux (Martin Doom! It’s Seven O’Clock) et les compositions ont perdu en richesse. C’est le début de la fin d’un miracle dont on n’a pourtant pas fini de (re)découvrir l’ampleur, à l’aide de cette copieuse réédition de Giant Steps, composées de deux disques bonus contenant quelques trésors cachés, comme ce remix de Lazarus par Saint Etienne. Boo! forever.
