Magicrpm : Salut, vous venez d’arriver ?
Matthew Flegel (basse, chant): Ouais, il y a 45 minutes. J’ai encore le goût d’Amsterdam en bouche, ça me dévore les papilles. (Rires.)
Vous avez démarré votre tournée il y a…
M: Dix jours environ. Ensuite, on doit encore avoir six ou sept dates dans les environs, puis on rentre à la maison pour une semaine, puis on repart en tournée en Amérique du Nord pour six semaines, puis on reviendrait en Europe pour encore cinq semaines. On a tout calé jusqu’à la Noël. Les réactions sont très positives pour le moment, surtout en Grande-Bretagne. Amsterdam, c’était très cool aussi.
Le second album vient de paraître, et j’ai été frappé par la différence avec son prédécesseur : les morceaux sont plus longs, peut-être moins concis.
Chris Reimer (guitare, chant): Avoir des chansons plus longues n’était pas une décision délibérée. Nous avions simplement des idées que nous essayions de concrétiser de la meilleure des manières. Par exemple, on avait cette ballade plutôt longuette, et à côté de ça, un p’tit brûlot d’une minute et demie à la Buzzcocks. C’est devenu Locust Valley, morceau hybride ponctué de batterie. À force de développer nos trouvailles, d’essayer de nouvelles choses, de foutre plein de réverb’ partout, on s’est retrouvé avec des pistes rallongées.
Vous n’avez pas vraiment de règles pour composer ?
C: Non, c’est différent à chaque fois. Pat (ndlr. Patrick Flegel, chanteur et guitariste) écrit toutes les chansons, les structures et les mélodies (ndlr. à ce moment-là, Pat le farouche entrouvre la porte, salue l’air content, puis se taille). Un bon nombre de ses démos se résument à un gimmick de guitare, ou à un rythme de batterie, puis on brode des trucs par dessus.
M: C’est toujours dépouillé au début, de vraies pop songs toutes simples. On les triture ensuite pour essayer de les rendre intéressantes au niveau du son.
C’est vrai que vous vous ingéniez à distordre.
C: C’est ça, on veut les faire accéder à une autre dimension, plus surprenante, pour les rendre plus intéressantes à écouter. Et ça fonctionne parce que je sais que pas mal de groupes se lassent assez vite de jouer tout le temps les mêmes morceaux chaque soir, alors que nous, ils restent toujours aussi drôles à dépoter.
M: Ouais, et ça fait plus de trois ans maintenant qu’on continue à les trouver aussi démentes.
Avez-vous toujours des nouveaux titres sous la main ?
M: Oui, on va en jouer une ce soir d’ailleurs.
C: En ce moment, on prépare un split single. Il va encore y avoir de nouvelles compositions dessus.
M: Le vinyle sera partagé avec DD/MM/YYYY via Altin Village, un label allemand. On y mettrait quatre morceaux a priori.
C: Ou une seule improvisation longue de vingt minutes plutôt.
Vos références sont-elles restées les mêmes au fil des années ? Sur Public Strain, vous êtes toujours autant orientés post-punk, mais vous voguez plus du côté new yorkais, alors que sur le premier LP, on pensait plutôt à des formations anglaises comme Wire ou This Heat.
M: Oui, je vois ce que tu veux dire. C’est vrai que sur le nouvel essai, on peut définitivement percevoir l’influence de Glenn Branca et tous ces groupes new-yorkais. On les écoute beaucoup.
C: Ce qui est marrant, c’est qu’on a écrit la plus grande partie du disque dans la foulée du premier. On s’est nourri de cette scène-là toute notre vie, mais elle ne ressort que maintenant dans notre musique parce qu’il nous fallait plus de temps pour la digérer. C’est une évolution assez logique à mon avis.
M: Le post-punk cherchait avant tout à créer quelque chose de perpétuellement neuf, à détruire le punk pour expérimenter le plus possible. On reste dans cette optique : toujours rester frais et novateur.
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Comment vous vous situez par rapport à la musique d’aujourd’hui alors ?
C: On écoute essentiellement des vieux trucs. Il y a des artistes qu’on aime bien, des gens avec qui on se sent dans le même bateau, mais nous n’appartenons pas à une scène en particulier.
M: Va comprendre. (Rires.)
C: Ce que je veux dire, c’est que d’un titre à l’autre, on peut nous lier à telle ou telle nouvelle formation. Tantôt on est noisy, tantôt on ressemble à Deerhunter… On peut nous cataloguer n’importe où selon les compos envisagées.
Vous avez encore travaillé avec Chad VanGaalen sur Public Strain. Qu’est-ce qu’il représente pour vous ?
M: C’est l’un de nos meilleurs amis, tout simplement.
C: C’est aussi celui qui a le plus de matériel à disposition. Il a un studio et quand on va chez lui, c’est comme être dans un magasin de jouets, t’as envie de tout bidouiller tellement il a de trucs.
M: Et puis il est patient avec nous.
C: Ouais, parce que nous ne sommes pas faciles à suivre tout le temps ! On a une idée très précise de ce qu’on veut obtenir, on peut donc passer trois heures à chercher un son de batterie parfait. Je ne sais pas si beaucoup auraient supporté huit mois d’enregistrement avec des gugusses qui passent leur temps à enregistrer des bribes de morceaux pour les abandonner dans la foulée et tout recommencer depuis le début. On est assez méticuleux : Women n’est pas ce genre de groupe qui passe deux ans à composer puis qui s’enferme deux semaines en studio pour enregistrer le tout. Chad nous laisse débarquer pour quelques jours, quand bon nous semble, histoire d’enregistrer des p’tits bouts.
M: Et pour se bourrer la gueule avec lui aussi.
Est-ce qu’il a une influence directe sur la musique ?
M: Il a pas mal de bonnes idées, il nous donne des indications, nous montre comment on devrait chanter une partie précise, quels sentiments on devrait insuffler à une autre…
C: On l’admire énormément en tant que musicien, on a toujours écouté ses albums. C’est chic de travailler avec quelqu’un dont on aime la musique.
M: Chad est le cinquième membre de Women.
C: Et le sixième et le septième aussi. (Rires.)
Vous avez même joué avec lui, non?
M: J’étais dans son groupe à un moment, j’ai tourné un peu avec lui.
C: Et quand on fait des concerts ensemble, on joue mutuellement nos chansons.
Vous disiez tâtonner jusqu’à trouver les sons parfaits, refaire et refaire encore. Vous avez souvent de bonnes idées que vous n’arrivez pas à concrétiser ?
C: Tout le temps. La plupart du temps, même.
M: Ça fait partie du processus d’écriture : tu as de bonnes idées que tu essayes de faire marcher coûte que coûte, mais tu n’y arrives pas toujours.
C: Il ne faut pas être psychorigide dans ce que tu veux obtenir. Tu peux avoir une idée très précise qui finira par figurer totalement l’inverse de ce que tu attendais. C’est parfois un peu frustrant, mais comme on veut se renouveler en permanence, on n’a pas trop de remords.
Ce que j’aime bien sur vos disques, c’est qu’il y a beaucoup de moments instrumentaux. Vous les travaillez avec un soin particulier ?
M: On aime la musique instrumentale. Ça ne veut pas dire qu’on ne pourrait pas chanter plus, mais c’est juste que nos envies ne sont pas vraiment tournées vers le chant.
C: On n’est pas des chanteurs nés. Nous avons commencé à le faire il y a seulement quatre ou cinq ans. On est des musiciens avant tout.
Ça fait combien de temps que vous jouez de vos instruments respectifs ?
M: J’ai dû commencer la basse vers onze ou douze ans.
C: J’ai commencé la guitare vers dix ans. Mon père était batteur, j’ai grandi avec la musique.
Tiens, d’ailleurs, pour finir par le début, comment en êtes vous venus à jouer ensemble ?
C: On était tous dans la même école. Du coup, on a été ami la majeure partie de notre vie.
M: Je suis le grand-frère de Pat, en fait. Je jouais le rôle du frangin cool qui faisait de la basse, et j’ai fini par jouer avec eux.
