Pour commencer, d’où vient ce nom, Hypo ?
J’ai adopté ce nom en 1994, en pleine vague Brit Pop, pour faire chier un ami qui avait appelé son groupe Hyper. Je trouvais ça assez prévisible et banal, alors j’ai choisi le préfixe contraire, qui cadrait bien avec le côté lo-fi de mes premières productions.
Quelle a été ton éducation musicale ?
J’avais dix ans en 1983 et j’achetais déjà beaucoup de disques, essentiellement des 45 tours. J’étais fan de Visage, Prince, Buggles, Klaus Nomi… Assez vite, j’ai découvert The Cure, Cocteau Twins et Depeche Mode. J’ai donc été marqué très tôt par la new wave et la pop synthétique, ce qui a été déterminant dans les groupes montés à l’adolescence. Même si à l’époque, je découvrais aussi Sugarcubes, Pixies et The Stone Roses, et que je sentais bien que la new wave était sur le déclin. Mais là où je vivais, je n’avais accès qu’à très peu de nouveautés. J’ai passé les vingt premières années de ma vie à Dreux, et je ne le souhaite à personne. C’est un endroit trop proche de Paris pour qu’il s’y développe une véritable activité culturelle, mais c’est aussi trop loin pour qu’on puisse profiter de la capitale. Un no man’s land. Quand j’avais 18 ans, le dernier disquaire venait de fermer, il n’y avait plus de cinéma, Internet n’existait pas, et je n’avais pas mon permis de conduire. Mes vraies découvertes musicales se sont donc faites à partir de 1993, quand je suis venu vivre à la fac de Saint Denis. C’est là que j’ai découvert Aphex Twin, Autechre, Oval et la musique électronique en général.
Tu as déjà vingt ans d’activité musicale derrière toi. Comment vois-tu ton parcours aujourd’hui ?
Je le vois comme un truc assez cohérent. Un temps, j’ai regretté de m’être embourbé dans des formations qui ne m’apportaient qu’une maigre satisfaction, mais je me rends compte aujourd’hui que c’était nécessaire, que j’y ai beaucoup appris. Notamment le fait que je déteste faire des compromis dans ma musique. Il y a bien quelques morceaux qui, lorsque je les réécoute, ne me donnent pas entière satisfaction, mais je ne regrette rien.
Il y a toujours beaucoup d’invités sur tes disques. C’est nécessaire à ton processus créatif ?
C’est devenu essentiel. Je ne suis pas un musicien au sens académique du terme. Je ne connais pas le solfège, et n’ai toujours pas envie de l’apprendre. Je me suis très bien accommodé de ma position à mi-chemin entre composition et production. Je me nourris du travail des autres, c’est aussi ce qui me garantit un recul immédiat sur ma musique, ce qui me permet de l’écouter comme si c’était celle d’un autre, et de pouvoir me dire « telle chose est à sa place, telle autre est de trop ».
Peux-tu me parler de quelques-uns d’entre eux ? EDH, Momus, O.Lamm, Vava Dudu…
EDH est sans doute la meilleure rencontre que j’ai faite en musique. Son nouvel album est excellent (Predature, 2010), elle a énormément de talent et m’impressionne beaucoup. Nous travaillons actuellement à un nouvel album en commun. Momus n’est plus à présenter. C’est artiste de renom qui, malgré son parcours impressionnant, est une personne des plus intègres et des moins blasées que je connaisse. Son avis sur ma musique m’importe beaucoup. Il m’a proposé de faire un disque avec lui, j’espère que ça se fera. O.Lamm est un de mes meilleurs amis. Nous avons des goûts et une sensibilité assez différents, mais je respecte et admire beaucoup son travail. Nous arrivons ponctuellement à trouver des terrains d’entente pour travailler ensemble. Il vient de terminer un très bon disque avec Domotic, et ils cherchent un label.
Vava Dudu est une grande créatrice de mode et une voix impressionnante. Notre première collaboration remonte à 2006, quand je lui ai demandé d’apparaître sur la pochette de l’album de Hypo & EDH. Elle avait aussi réalisé nos costumes pour cette série de photos. Nous avons tous les deux un amour pour la matière non noble : elle travaille en recyclant les poubelles du textile, moi celles de la musique quand je sample. À l’époque, elle chantait déjà dans La Chatte, et il était assez naturel qu’on travaille un jour ou l’autre sur le plan musical. Je viens de mixer leur album (Bastet, à paraître en mai). C’est la première fois que j’endosse ce rôle pour quelqu’un, et j’ai vraiment aimé le faire. Par le passé, j’ai aussi beaucoup travaillé avec Anne Laplantine et dDamage. J’espère que nous aurons à nouveau l’occasion de le faire.
Et toutes tes copines japonaises qui sont sur Coco Douleur, tu les as dénichées comment ?
J’ai tapé « japonaises décérébrées » sur Google et elles sont apparues. Non, sérieusement, il n’y a pas de recette. Ce sont des artistes que j’ai rencontrées au fil du temps. Je connais Sawako depuis 2002, nous avons fait une tournée ensemble au Japon. Elle trouve immédiatement des mélodies alambiquées qui cadrent avec mes attentes. Elle vit aujourd’hui à New York, tout comme Nobuko Hori. Midori Hirano est plus romantique dans son approche de la musique, elle a un côté quasi grégorien dans son chant, et j’aime la confronter à des choses plus dures pour créer un contraste. Elle vit à Berlin, tout comme Kyoka, qui a un groupe assez déjanté avec Nobuko Hori, qui s’appelle Groopies. Kumisolo est une amie de longue date. Nous sommes issus du même label, Active Suspension. Ce que j’aime chez Kumi, c’est sa fragilité, son « à peu près ». C’est pour ça que je l’ai sollicitée pour jouer de la trompette sur mon album, parce qu’elle en joue de manière amateur. Je lui avais donné un instrumental réalisé avec Nikolu pour qu’elle y ajoute de la trompette. Lorsqu’elle m’a donné les pistes qu’elle avait enregistrées, je les ai trouvées tellement touchantes et belles que j’ai viré l’instru et les ai laissées en solo. J’adore le résultat, cette espèce de Miles Davis du pauvre. Elle a vraiment l’air seul et à bout de souffle dans son blues cheap.
{fin-page-1}
Tu es un artiste encore très confidentiel. Tu le vis bien ?
Je n’ai rien fait pour. Je ne souhaite pas être underground. Si demain je suis au Top 50, j’en serai ravi. Ça voudrait dire qu’il y a encore de la place pour autre chose que les modèles dominants. Et c’est aussi pesant d’être l’éternel débutant, alors que je sors des disques depuis dix ans. C’est très difficile de garder un regard objectif sur ma condition et de ne pas baisser les bras. Parce qu’évidemment, j’ai envie de continuer coûte que coûte. Je sais que je fais une musique qui s’adresse à une minorité, que c’est « un truc de niche », comme on dit. Mais je sais aussi que je ne fais pas une musique difficile d’accès, c’est de la pop au sens « populaire » du terme. Ca devrait pouvoir toucher plus de 2000 personne dans le monde. Et je ne dis pas ça parce que je veux me faire du fric ou pour me flatter l’ego. Je ne gagne pas d’argent avec ma musique, je suis en Creative Commons, je ne touche rien de la Sacem, je suis au RSA. Je voudrais juste pouvoir me dire que les gens qui sont susceptibles d’aimer ma musique y ont accès. Globalement je me fais une raison, mais je fatigue aussi un peu d’être systématiquement dans le off.
Est-ce que ça t’ennuie de devoir faire du sound design pour les méchants publicitaires ?
C’est une activité que j’assume pleinement, mais que je dissocie de mon travail artistique. En général, les publicitaires ne me contactent pas parce que je suis Hypo, ils le font parce qu’on leur a dit que je bidouillais les sons correctement, pour pas trop cher. Ce n’est pas un kiff ultime, mais je préfère ça à mes petits boulots d’autrefois. J’ai été vendeur de meubles chez Habitat, agent d’accueil à l’Ircam, goûteur chez Danone, assistant de rédaction chez Lagardère, trieur de chèques à la Société Générale, vendeur de disques chez Gibert… L’inconvénient c’est que je vis dans une seule pièce, que mon lit est à côté de l’ordinateur, et que j’ai 30 centimètres à parcourir pour aller au travail et en revenir. Ça n’est pas très dépaysant, quand on considère que je fais Hypo, les musiques de pub et tout le reste sur le même ordinateur. Parfois, je ne sors pas de chez moi pendant 4 jours de suite, et je deviens dingue.
Peux-tu m’expliquer ce qu’est l’atelier Broken Music ?
À l’origine, c’est un projet que j’ai développé pour la Villa Noailles à Hyères. Il s’agit d’un atelier d’initiation aux musiques improvisées à destination des 12-15 ans. Nous travaillons principalement sur du matériel de DJ, et nous intervenons physiquement sur des vieux vinyles que nous customisons. Je n’ai rien inventé, il s’agit vraiment d’appliquer les techniques de travail de Christian Marclay ou Erik M. Mais c’est un bon moyen pour les ados, d’appréhender l’abstraction musicale et de bousculer leurs a priori sur ce qui est musical et ce qui ne l’est pas. Il est question que je le fasse de nouveau à Saint Ouen prochainement.
Coco Douleur, pourquoi ce (très beau) titre ?
C’est une expression que j’ai piquée à Damien Mingus (My Jazzy Child). Il fait partie d’une petite bande qui aime bien se taper sur la gueule quand ils ont un peu bu. Chez eux, un « coco douleur » désigne un type de coup sur la tête, un coup de poing donné avec la phalange bien saillante sur le haut du crane, comme si tu te faisais assommer par une noix de coco. Je cherchais un titre un peu exotique cheap, un peu cliché carte postale, mais qui contienne aussi tout le pathos que j’ai voulu mettre dans cet album. Et je voulais aussi un titre fort comme Karaoke A Cappella et Random Veneziano, mes précédents albums. Un titre qui te fait un peu honte quand tu le dis. Donc Coco Douleur cadrait parfaitement. Dans la même optique, j’ai demandé à ma mère, qui est peintre en amateur, de peindre des palmiers pour la pochette.
Peux-tu me parler un peu de la confection de ce disque ?
Il m’a fallu un certain temps pour retrouver mes marques après Random Veneziano, qui, dans mon parcours, allait au bout de quelque chose. J’ai aimé jouer avec les codes de la postmodernité. J’en suis aussi le fruit, tout comme V/Vm et beaucoup de mes contemporains. Nous avons pris plaisir à tordre le cou à la musique. C’était nécessaire, salutaire, et je le fais encore d’une certaine manière. Mais un matin, notre génération s’est réveillée à côté d’un cadavre dans lequel tout le monde avait donné des coups de pieds, et il a bien fallu décider de ce qu’on allait en faire. Depuis, certains font comme s’il ne s’était rien passé et continuent à taper dans la viande froide, d’autres retournent à des formes classiques, d’autres encore cultivent des formes de revivals en tout genres, avec une mise en abîme de « revivals de revivals ». Certains font ça avec talent d’ailleurs, ce n’est pas incompatible. Mais si on veut faire le tri dans ce qui nous entoure, produire en connaissance de cause, sans redécouvrir la lune tous les 15 jours et sans être un vieux con non plus, ça devient un exercice des plus difficiles. À partir de 2005, j’ai eu du mal à envisager un nouvel essai de Hypo. Mon album en commun avec EDH a amorcé ma remise sur les rails, mais il représentait aussi un confort. Il m’a fallu du temps avant de pouvoir arriver avec un disque de cohérent, qui prenne en compte son époque, qui la célèbre et la critique à la fois, et contienne en même temps de la légèreté et du pathos.
Comment décrirais-tu cet album en une phrase ?
« Coco Douleur » le résume très bien. Il y a de la noix de coco et de la douleur dedans.
Je trouve que c’est ton album le plus cohérent. C’était une volonté de ta part, recentrer ton propos ?
Oui, bien entendu, et je suis content que tu le remarques. Je ne pense pas que ce soit l’album de la maturité car en général, ces albums-là ne sont pas très bons. Mais j’ai effectivement voulu faire ce que je sais faire de mieux, et j’ai pris tout le temps nécessaire pour le faire. Je voulais un disque qui synthétise vraiment ma manière de travailler, tout en ouvrant sur de nouveaux horizons.
Ce qui n’a pas changé, c’est ton côté aventurier sonore. D’où vient cette envie d’en découdre, de fracasser les genres ?
Je ne sais pas, mais je pense qu’on est à une époque où, plus que jamais il faut radicaliser son propos face à la tiédeur ambiante. Tout est devenu une affaire de fun immédiat et jetable. Donc je pense que la meilleure chose à faire est de ne pas céder aux modes, de camper sur ses positions tout en ouvrant ses oreilles. Car je ne suis pas hermétique à ce qui m’entoure. Je ne suis pas coupé du monde, je ne vis pas sur l’île déserte de ma pochette. Au contraire, je travaille toujours « en réaction à ». Ma musique est une réponse à ce que j’entends, ou à ce que je n’entends pas d’ailleurs… La musique électronique française qui pose dans les magazines, c’est le château de Versailles avec ses fous du roi, ses favoris et ses bouffons bourrés de coke. Je n’ai aucune envie de faire partie de cette caste. Tout ce que je vois, c’est que dans mes concerts aussi les gens dansent.
Qu’est-ce qui te met vraiment en colère aujourd’hui ?
Ce qui me met en colère, c’est de voir à quel point la presse dite « professionnelle », celle qui a des salariés et qui est néanmoins moribonde, est à la botte des majors et des gros labels indés qui sont encore plus moribonds. Plus que jamais, tout est une question d’argent. Si tu veux qu’on parle de toi, il faut payer des pages de pub dans les magazines pour espérer avoir une chronique. Tous les gens qui s’intéressent à moi sont des passionnés qui ne gagnent pas leur vie avec leur activité de journaliste. La mauvaise presse dont je parle est pourtant responsables de la merde dans laquelle elle est. Nous sommes à une époque où ces médias vont disparaître. Ils le savent, ils flippent, ils tirent sur la corde tant qu’ils peuvent, mais c’est bientôt fini. Si artiste n’est plus un métier, alors journaliste non plus, distributeur non plus, programmateur non plus, label manager non plus.
Et qu’est-ce qui te rend euphorique ?
Ce qui me rend euphorique, c’est quand on part faire des concerts dans des pays comme la Chine, la Roumanie, la Serbie, des endroits qui sortent un peu des sentiers balisés, et que ça se passe super bien. Ce qui me rend euphorique, c’est de travailler avec des gens que j’aime et dont j’aime le travail.
Que puis-je te souhaiter pour l’avenir ?
De pouvoir continuer. De ne pas faire de mauvais disques.
