THE KARELIA – DIVORCE AT HIGH NOON (1997)
Alex Kapranos : Le principal problème de Divorce At High Noon, c’est qu’il a été enregistré bien trop tard, à un moment où le groupe était déjà usé et avait perdu une grande partie de sa dynamique initiale. Nous ne nous entendions plus très bien, et je crois que nous avions davantage envie de suivre chacun notre propre route plutôt que de passer du temps ensemble en studio. Je ne me souviens pas très bien du contenu de l’album à vrai dire. Sans doute ai-je jugé préférable de refouler certaines casseroles trop pesantes. (Rires.) En revanche, je me rappelle parfaitement l’atmosphère de cette époque et l’esprit de camaraderie qui régnait alors. Beaucoup de choses ont été dites et écrites à propos de la scène musicale de Glasgow dans les années 90, et cela relève souvent davantage du mythe que de la réalité. Quand on est jeune et que l’on vit ce genre de situation – je pense que c’était la même chose pour Nick à Munich –, il s’agit avant tout du développement d’un réseau social plutôt que d’un projet artistique très précis : au départ, c’était simplement une bande de copains et de connaissances qui fréquentaient les mêmes lieux pour se distraire.
En l’occurrence, tout mon apprentissage musical, y compris avec The Karelia, s’est déroulé autour du 13th Note. Toutes les personnalités importantes de la scène rock de Glasgow venaient traîner dans ce club, qui est devenu à la fois un lieu d’échange et une sorte de salle d’entrainement pour les artistes plus ou moins débutants. Cela tient principalement au fait que c’était l’un des seuls endroits en ville où les formations qui ne jouaient pas de la musique pop commerciale pouvaient se produire sur une scène : ils pouvaient y disposer gratuitement d’amplis, de micros, d’une batterie et d’un éclairage professionnel. Quand on a dix-sept ou dix-huit ans et que l’on monte son premier groupe, on ne peut tout simplement pas se permettre de se payer un tel équipement. C’est tout bête, mais cela a complètement changé la vie d’un nombre considérable de musiciens qui sont devenus célèbres par la suite : Stuart Braithwaite (Mogwai), Stuart Murdoch (Belle And Sebastian), Delgados et tant d’autres ont débuté sur cette même scène. Entre 1991 et 1996, je crois bien qu’il y a eu presque cinq cents artistes différents qui sont passés par le 13th Note. Cela a également contribué au développement d’une forme d’esprit presque insulaire, ce sentiment de pouvoir exister en marge de ce que nous percevions comme étant la musique mainstream produite à Londres. Internet n’existait pas encore et le seul moyen de découvrir d’autres groupes était de les écouter sur scène.
Nick McCarthy : Ce que tu décris ressemble beaucoup à ce que j’ai pu vivre en Allemagne à la même période, si ce n’est que la scène rock munichoise était sans doute encore plus confidentielle et underground qu’à Glasgow. Nous n’avions quasiment aucune infrastructure à notre disposition et encore moins d’espoir d’enregistrer un jour un album. C’est dommage d’ailleurs car certains auraient mérité d’être plus exposés.
AK : C’est probablement la même chose pour toutes les villes et les époques. À chaque fois, il y a des personnalités marquantes qui jouent un rôle considérable dans le développement d’une scène musicale et qui pourtant ne laissent aucune trace dans l’histoire. The Karelia n’était certainement pas l’un des meilleurs groupes du moment – le disque en témoigne malheureusement –, mais on en parle encore simplement à cause du succès de Franz Ferdinand alors que d’autres, plus méritants, ont été oubliés. Je pense notamment à Trout, dont le chanteur William Rogan est peut-être le performer le plus incroyable que j’aie jamais vu et qui n’a jamais eu la reconnaissance publique qu’il mérite. Parles-en à Stuart Braithwaite à l’occasion, je suis certain qu’il te dira la même chose que moi !
FRANZ FERDINAND (2004)
AK : Lorsque nous avons créé Franz Ferdinand et que nous avons commencé à travailler sur ce premier album, j’ai vraiment essayé de tirer les leçons de mes précédents échecs, notamment avec The Karelia. J’avais retenu l’importance d’adhérer collectivement à un même projet clairement défini et à des objectifs musicaux bien identifiés. Sinon, les risques d’éparpillement ou de désintégration sont beaucoup trop importants. Nous avons ainsi pris le temps de réfléchir et de tâtonner avant de passer à l’action. La toute première fois que j’ai pris conscience du potentiel de Franz Ferdinand, c’est précisément au moment où Nick et Paul (ndlr. Thomson) ont échangé leurs instruments. Au départ, Nick jouait de la batterie, Paul de la guitare, et ils étaient tous les deux à peu près compétents mais tout de même assez mauvais, si je peux me permettre.
NMC : Je ne le prends pas mal. (Sourire.)
AK : Dès qu’ils ont interverti leurs places, je me suis dit que non seulement les chansons étaient bonnes, mais que le groupe possédait une identité originale, qu’il ne ressemblait à aucun autre.
NMC : Sans jamais chercher à devenir intellos ou conceptuels, c’est vrai que nous avons passé énormément de temps à discuter ensemble de ce que nous voulions créer, avant même nos premières répétitions. Je pense que cette réflexion préalable nous a aussi permis de conserver une certaine forme de recul et de distance au moment où nous avons commencé à avoir du succès. Nous savions très bien pourquoi nous étions ensemble : pour écrire et jouer des chansons, pas pour être célèbres.
AK : Nous avions aussi à l’avance une idée très précise du son auquel nous souhaitions aboutir. L’enregistrement du premier LP n’a pas été réellement difficile ni même surprenant, parce que nous savions parfaitement tous les quatre comment obtenir le résultat désiré. Dans mes souvenirs, le plus compliqué a été d’expliquer au producteur, Tore Johansson, ce qu’était ce résultat, parce que lui n’en avait aucune idée. Il souhaitait emprunter une direction très différente mais il avait tort. (Rires.) Il avait notamment composé toute une série d’arrangements de cordes assez complexes et il a fallu batailler quasiment jusqu’au mixage final pour les enlever. Je peux comprendre son point de vue, c’est souvent le rôle du producteur d’ajouter des couches musicales supplémentaires pour enjoliver les chansons. Mais nous voulions absolument nous en tenir à un son plus direct et plus épuré. Franchement, je suis toujours assez fier d’avoir tenu bon sur ce point. Cela nous permet aussi de continuer à assumer dix ans plus tard l’ensemble de notre répertoire, y compris les premiers hits, ce qui n’est pas le cas de tous les groupes. Radiohead déteste Creep, Led Zeppelin détestait Stairway To Heaven…
NMC : Sur ce point précis, ils avaient bien raison. (Rires.)
AK : Oui, mais en comparaison, je trouve que nous avons de la chance de prendre du plaisir à jouer Take Me Out ou This Fire sur scène sans avoir l’impression de trahir ce que nous sommes aujourd’hui.
YOU COULD HAVE IT SO MUCH BETTER (2005)
NMC : À mes yeux, ce qui a été le plus pénible et le plus difficile à gérer après la sortie du premier album, ce n’est pas tant le succès en lui-même ou l’effervescence autour de Franz Ferdinand que le fait de ne plus avoir de temps pour écrire. Du jour au lendemain, notre emploi du temps s’est totalement transformé. Pendant plus de trois ans, nous avions consacré quasiment tout notre temps en commun à composer et à répéter. Puis nous sommes partis en tournée, et pendant presque un an et demi, nous n’avons plus eu véritablement l’occasion d’écrire. Il a fallu réadapter le processus créatif en fonction de ces nouvelles contraintes et j’ai trouvé ça très compliqué.
AK : Je trouve que nous ne nous en sommes pas si mal sortis. Nous avons réussi à grappiller un peu de temps entre deux concerts ou pendant les balances pour peaufiner des nouvelles chansons. Nous avons également réussi à en terminer certaines en studio, au moment même de l’enregistrement. J’ai réécouté récemment ce deuxième album et je trouve qu’il ne laisse pas entendre trop de signes de fatigue ou de lassitude même si nous avons dû l’achever pendant la tournée. Nous étions tous portés par une forme d’euphorie, d’énergie ascendante qui n’avait pas encore disparu et qui nous a permis de compenser temporairement l’épuisement. Mais cela reste une forme d’énergie en partie artificielle, presque forcée. You Could Have It So Much Better me fait penser aux derniers soubresauts des danseurs, juste avant la fin de soirée. Nous avions passé tellement de temps à travailler et à préparer notre coup que nous ne nous sentions pas le droit de jouer les blasés ou de baisser les bras alors que tout marchait si bien. Nous avons donc réussi à tenir quasiment sans interruption jusqu’à la fin de 2006. À ce moment-là, c’est vraiment devenu difficile. Nous étions en permanence exposés au regard et au jugement du public. Nous avons fait l’erreur de continuer à donner des interviews alors même que nous étions en train de composer les nouvelles chansons et nous étions donc amenés à parler du processus créatif alors qu’il n’était pas achevé. C’est une très mauvaise chose. Cela vous rend méfiant, excessivement critique. Je me souviens même qu’il y avait des discussions sur certains forums où les fans se plaignaient que nous n’ayons pas branché une webcam dans le studio pour retransmettre les sessions 24 heures sur 24 ! C’est aussi pour cette raison que nous avons par la suite essayé de maintenir une certaine forme d’embargo et de distance avec le monde extérieur pour travailler plus sereinement.
TONIGHT: FRANZ FERDINAND (2009)
NMC : Lucid Dreams, Live Alone, même Ulysses : il suffit de regarder le titre des chansons ou d’écouter les textes pour saisir l’état d’esprit qui était le nôtre. Nous étions au bout du rouleau physiquement et mentalement. Entre 2007 et 2008, nous avons essayé de prendre le temps d’une première pause. Mais nous ne sommes pas parvenus à nous ressourcer et à nous rafraîchir suffisamment les idées. Sans doute aurait-il fallu attendre encore davantage.
AK : Je suis d’accord. Je conserve un sentiment mitigé par rapport à ce troisième LP. Il y a certaines chansons que j’adore jouer en concert comme Ulysses, mais je trouve que nous ne sommes pas complètement arrivés à leur rendre justice au moment de l’enregistrement. Les versions sont trop douces à mon goût, presque fades quand je les compare à ce qu’elles peuvent dégager en live. Sur scène, elles possèdent une force de frappe qui n’est pas véritablement restituée sur l’album. La seule exception, c’est No You Girls, et ce n’est pas un hasard : après avoir passé plusieurs semaines à tenter de fignoler des arrangements, nous sommes finalement retournés dans un petit studio en Écosse pour enregistrer en quelques heures la version qui figure sur Tonight.
NMC : En même temps, Tonight: Franz Ferdinand nous a aussi permis de tenter de nouvelles expériences, notamment en intégrant des sonorités synthétiques. Je le vois comme une transition nécessaire. Il y a énormément de choses que nous n’aurions pas pu faire sur le nouvel album si nous n’avions pas exploré ces pistes au moment où nous avons travaillé sur Tonight. Désormais, nous sommes capables d’intégrer ces éléments de manière plus spontanée et moins réfléchie parce que nous les maîtrisons bien mieux qu’il y a quatre ou cinq ans. Le processus est redevenu plus naturel, moins cérébral.
AK : Pour résumer, Tonight est un album plutôt expérimental où les chansons passent parfois au second plan, alors que Right Thoughts, Right Words, Right Action est recentré sur l’écriture des chansons même si elles ont parfois une coloration étrange.
RIGHT THOUGHTS, RIGHT WORDS, RIGHT ACTION (2013)
AK : En préparant cet album, nous avons essayé de ne pas répéter les mêmes erreurs que pour la conception du précédent. Nous nous sommes notamment efforcés de prendre le temps nécessaire pour retrouver une certaine fraîcheur, une forme de spontanéité collective. Rétrospectivement, cela paraît simple mais, sur le coup, ce n’est pas forcément évident parce que cela implique de pouvoir résister à un certain nombre de pressions extérieures et à la tentation d’emprunter des raccourcis qui peuvent sembler plus commodes. Quand la fatigue se fait sentir, il faut d’abord faire une pause et éviter de trop se voir pendant un certain temps. Ensuite seulement, nous avons pu réapprendre à nous fréquenter puis à nous apprécier les uns les autres, d’abord sur un plan amical, puis au niveau musical. Et enfin éprouver à nouveau du plaisir et de la curiosité à discuter ensemble et à échanger des idées. Ce n’est qu’à ce moment-là que nous avons recommencé à travailler sur de nouvelles chansons et décider de les jouer et de les enregistrer tous les quatre.
NMC : Nous avons également essayé de modifier notre manière de travailler et d’enregistrer. Jusqu’à présent, chacun de nos disques était très étroitement associé à un lieu unique dans lequel il avait été élaboré de manière presque claustrophobe – The Château pour le premier, le home-studio d’Alex pour le second, un bâtiment municipal pour le troisième. Cette fois-ci, nous avons progressé en termes de mobilité : nous avons travaillé sur plusieurs séquences de quelques jours, tantôt à Londres, tantôt en Écosse. Cela nous a permis de faire davantage évoluer certains titres et de prendre le temps de les faire parvenir à maturité.
AK : Le fait de disposer de davantage de temps a également eu des conséquences sur l’écriture et la diversité des atmosphères présentées. Au fil des mois, l’humeur évolue forcément et cela se reflète au niveau des thèmes abordés et des sentiments qui sont restitués au travers des chansons. Les rythmiques sont également très différentes d’un morceau à l’autre, tantôt très rapides, tantôt plus lentes ; tantôt binaires et parfois plus proches du disco et du funk. L’album de remixes dub qu’avait réalisé Dan Carey (ndlr. Blood: Franz Ferdinand, 2009) nous a d’ailleurs influencés pour certains titres. Il y a ainsi des compositions très rock et énergiques, notamment sur la première partie de l’album, mais aussi des réflexions plus mélancoliques ou abstraites, comme The Universe Expanded ou Goodbye Lovers And Friends. Du coup, le LP est à la fois dense, assez court et très contrasté. Il intègre des éléments musicaux que nous n’avions jamais songé à utiliser, principalement faute de temps ou de compétence : un mélange de cuivres et de synthétiseurs ou encore des harmonies vocales plus complexes sur Fresh Strawberries, pour lesquelles nous avons sollicité l’aide de Roxanne Clifford de Veronica Falls, qui est une vieille connaissance. Mais l’ensemble est demeuré très spontané. Sincèrement, de tous nos albums, c’est vraiment celui que j’ai pris le plus de plaisir à enregistrer.
