Quand et comment avez-vous commencé à travailler sur ce troisième album ?
Brent Rademaker : Nous étions toujours restés en contact, même après 2003. Nous nous sommes réunis une première fois sur scène en 2008, à l’occasion du vingtième anniversaire de Sub Pop, et c’est à ce moment-là que nous avons commencé à évoquer la possibilité de donner une suite à l’aventure. Mais j’avais déménagé en Floride, ce qui rendait compliqué toute forme de travail collectif. Nous ne pouvions nous retrouver que pendant les vacances et pour un temps limité. En 2009, nous nous sommes donc retrouvés avec Chris Gunst et Farmer Dave Scher chez ce dernier, dans le Nord de la Californie, pour enregistrer des démos. Au fur et à mesure, nous avons accumulé suffisamment de titres pour que la perspective d’un album se précise davantage. Les autres nous ont rejoints ensuite en studio, et tout s’est enchaîné assez vite à partir de l’été dernier.
Pendant ces dix années de séparation, la plupart d’entre vous ont poursuivi une carrière musicale dans un registre qui n’avait souvent plus grand-chose à voir avec Beachwood Sparks. Est-ce que vous considériez que vous en aviez fini avec la country rock ?
Non, non, pas du tout. Je crois simplement que nous souhaitions tous conserver le caractère sacré de la musique que nous avions joué ensemble, un peu comme si elle ne nous appartenait pas à titre personnel. J’ai continué à composer beaucoup de morceau country pendant ces années, mais je ne les ai jamais publiés. Je n’ai même rien fait écouter à personne. Même si je les trouvais bons, je me disais à chaque fois que si Chris et Farmer Dave ne jouaient pas avec moi, il manquait quelque chose d’essentiel.
Même si vous avez également obtenu des diplômes et exercé d’autres activités professionnelles, vous n’avez donc jamais considéré que la rupture avec l’industrie musicale et le groupe était définitive ?
Non, pas vraiment. À titre personnel, j’ai eu envie de découvrir d’autres domaines, d’explorer d’autres formes de vie, et pas seulement pour des raisons matérielles. J’ai appris la menuiserie et je suis devenu encadreur. J’ai travaillé pour des galeries, ce qui m’a permis de me familiariser avec les Beaux-Arts et notamment la peinture, que je ne connaissais pas du tout. Je me suis aussi marié, puis j’ai quitté Los Angeles. Il faut bien comprendre que nous étions tous très jeunes quand nous avons formé Beachwood Sparks. À partir de 1993 et jusqu’en 2001, nous avons profité au maximum de la vie de groupe : nous habitions tous ensemble dans une grande maison, nous jouions de la musique ensemble toute l’année. Même si nous n’étions pas très populaires, toute notre vie tournait autour de la musique. À l’époque, nous avions envie de calquer toute notre existence sur l’image idéale que nous nous faisions du rock et de ressembler à tous ces artistes des années 60 et 70 que nous adorions. Et nous avons poussé le mimétisme jusqu’au bout ! (Rires.) Au bout d’un moment, quand nous sommes devenus plus adultes, nous avons éprouvé le besoin de vivre séparément et de grandir chacun de notre coté, c’est normal.
Entre-temps, la formation semble s’être agrandie. Désormais, vous vous produisez sur scène à sept et plusieurs autres musiciens ont participé à l’enregistrement de The Tarnished Gold : est-ce que ça ne rend pas les choses plus compliquées ?
Sur le plan de l’organisation, c’est certain. Nous avons été obligés de décaler ou de refuser des concerts parce que tout le monde n’était pas disponible au même moment. En revanche, en studio, cela nous a considérablement facilité le travail. Au lieu d’être obligés de jouer nous-mêmes de plusieurs instruments successivement, nous avons pu pour la première fois enregistrer presque toutes les chansons en prise directe, dans les conditions du live, ce qui change considérablement les choses. La présence de Thom Monahan a également eu une grande importance parce qu’il nous a permis de ne pas assumer toutes les responsabilités techniques. Nous avions produit nous-mêmes Once We Were Trees (2001), et je pense que nous avions été trop perfectionnistes et tatillons. Cette fois, puisque Thom Monahan était derrière les consoles, j’ai pu me concentrer sur la basse, mais pas d’un point de vue technique. J’ai simplement essayé d’être attentif à l’ambiance générale de chaque chanson au lieu de me demander si tel micro était bien placé ou si telle prise était suffisamment parfaite. C’est pour cette raison que l’album sonne de manière très différente des deux premiers, et c’est pour cela que c’est de loin mon préféré.
Parmi les invités, on retrouve, bien sûr, ton frère Darren mais aussi Neal Casal et Ariel Pink : comment les avez-vous rencontrés ?
Dans les deux cas, ce sont de très vieilles connaissances. Nous avions déjà tourné avec Neal il y a plus de dix ans, mais nous n’avions jamais eu l’occasion d’enregistrer ensemble. Darren et moi avons rencontré Ariel Pink par l’intermédiaire d’un ami commun, Matt Fishbeck de Holy Shit. Au début, je ne savais même pas qu’il faisait de la musique. Vu son look, je me suis dit qu’il devait être artiste, mais je pensais plutôt qu’il était peintre. (Rires.) C’était dans les années 90, quand nous jouions dans un groupe qui s’appelait Further. Nous avions enregistré quelques chansons très lo-fi et Ariel avait bien aimé : nous avons échangé des cassettes et discuté ensemble. Lorsque je suis revenu en Californie, il était quasiment devenu une rock star et j’en suis aujourd’hui très heureux pour lui. Notre batteur Aaron Sperske a également joué sur scène avec lui.
La chanson sur laquelle il chante, No Queremos Oro, est un peu particulière puisqu’elle est écrite en espagnol et qu’elle fait référence musicalement à la culture latino. Comment vous est venue l’idée de l’intégrer à l’album ?
Dès le départ, nous voulions que chaque titre fasse référence à un aspect particulier de la culture californienne et que, mis bout à bout, ils constituent une sorte de peinture de Los Angeles. Chris et Farmer Dave ont tous les deux des origines espagnoles et étaient les mieux placés pour évoquer cette dimension incontournable de la ville. Nous ne voulions pas simplement évoquer le surf et les hippies, même si ce sont aussi des éléments importants de l’identité locale. Nous souhaitions réfléchir de manière plus globale à ce que cela signifie d’être un Angeleno au XXIe siècle. J’ai toujours adoré les groupes de Manchester et notamment Joy Division parce que j’étais persuadé que leurs chansons reflétaient fidèlement le climat et l’atmosphère de la ville, même si les textes sont très personnels et parlent d’une expérience particulière. Et quand je suis allé là-bas pour la première fois, je n’ai absolument pas été déçu : j’ai eu l’impression très familière que je connaissais déjà les rues et les bâtiments grâce à tous ces disques. Nous avons essayé de faire un peu la même chose pour Los Angeles.
Vous avez toujours assumé vos références au country rock et à des artistes comme Gram Parsons ou Buffalo Springfield. Quand et comment cette passion est-elle née ?
Curieusement, j’ai découvert la plupart de ces groupes assez tardivement, lorsque j’étais adolescent. Au départ, j’étais fan d’Orange Juice et en lisant des interviews d’Edwyn Collins, j’ai vu qu’il n’arrêtait pas de dire du bien de The Byrds. J’ai donc acheté The Notorious Byrd Brothers (1968) à la fin des années 80 et c’est vite devenu mon album de chevet. À partir de là, j’ai pu explorer tout cet univers simplement en lisant les noms des musiciens sur les pochettes : “Tiens, Clarence White joue aussi sur cet album ! Et Chris Hillman a fait aussi partie de The Flying Burrito Brothers.” J’ai parcouru toutes les branches de l’arbre généalogique, et c’est comme cela que j’ai construit ma culture musicale personnelle. Encore aujourd’hui, il ne se passe jamais plus de quelques mois sans que Chris et moi écoutions The Notorious Byrd Brothers. Pendant plusieurs années, nous avons désespérément essayé de reproduire le son si particulier de cet album. Avec The Tarnished Gold, c’est la première fois que nous avons renoncé à essayer de copier ce modèle inaccessible et que nous avons façonné plus librement notre musique. Au lieu de chercher à parfaire le moindre détail pour nous rapprocher le plus possible de ces originaux, nous avons tout enregistré assez rapidement en laissant leur place aux accidents et aux imperfections qui font aussi le charme d’un disque. C’est sans doute pour cela qu’il est plus personnel.
Ces références étaient relativement marginales à la fin des années 90. Depuis, de nombreux artistes les partagent et parlent de vos premiers albums de manière très élogieuse. Est-ce que cela a également pu vous inciter à vous reformer ?
À vrai dire, je n’ai pas suivi de très près ce qui se passait sur la scène musicale indépendante ces dernières années, et je n’étais donc absolument pas au courant de l’influence que nous pouvions avoir sur ces groupes. Tu sais, j’habitais en Floride où personne n’a jamais entendu parler de Beachwood Sparks ! (Rires.) Je m’en suis aperçu assez récemment par l’intermédiaire de notre page Facebook, quand j’ai commencé à recevoir pas mal de messages très sympathiques qui disaient : “On adore vos albums, on passe en concert dans ta ville. Viens nous voir, on te mettra sur la liste.” Je m’attendais à ce que ces groupes jouent dans le bar du coin et j’ai été plusieurs fois surpris de me retrouver dans des salles au milieu de plusieurs milliers de spectateurs. J’étais très étonné que tant de gens viennent écouter ces artistes alors que personne n’a jamais entendu parler de nous. Si ça peut nous profiter un peu cette fois-ci, j’en serai sincèrement ravi.
