The Hundred In The Hands est né sur les cendres de The Boggs, le premier groupe de Jason Friedman. Comment s’est faite cette émancipation ?
Eleanor Everdell : Je suis partie en tournée avec The Boggs, et Jason et moi nous nous sommes rapprochés, jusqu’à nous rendre compte que nous voulions faire quelque chose ensemble. De retour à New York, nous avons simplement commencé à composer, et de là est né Dressed In Dresden. Au départ, nous ne savions pas si ce projet serait rattaché à The Boggs ou s’il s’agirait d’un nouveau groupe à part entière.
Pourquoi avoir choisi de faire référence à la bataille américaine de The Hundred In The Hands dans votre nom ?
Eleanor : Pour moi, il y a une certaine analogie entre cette bataille et le travail artistique, au sens où il s’agit toujours d’une lutte : on fait de notre mieux, mais on est constamment confronté à la mort et à l’échec.
Jason Friedman : Mais ce nom n’a rien d’un manifeste ; il nous est venu assez naturellement. Ce qui me plaît bien, c’est que The Hundred In The Hands aurait pu être le sobriquet d’un vieux gang du Bronx des années 60.
Le récit de l’enregistrement de Dressed In Dresden ressemble à un conte de fées : enregistrée et composée en l’espace de quelques jours, cette chanson est très vite devenue un tube… Comment expliquez-vous cette fulgurance ?
Eleanor : Lorsqu’on a peu de temps et peu de moyens, on est forcé de puiser dans nos ressources. Alors, quelque chose d’inattendu peut se produire, et c’est ce qui nous est arrivé. On voulait travailler avec Chris Zane, l’un de nos bons amis, et comme il était très occupé, il n’avait que quatre jours à nous consacrer. Nous avions vraiment le nez dans le guidon, et je pense que cela explique en partie le rythme frénétique de la chanson.
Comment en êtes-vous venus à composer un morceau parlant « d’hédonisme et de mort » ?
Eleanor : Nous étions assez fascinés par l’épisode du bombardement de Dresde pendant la Seconde Guerre mondiale. Nous pensions à ces jeunes Berlinois enfermés dans des caves, et qui, sachant que l’invasion russe était proche, ne voulaient pas perdre leur virginité en étant violés par l’ennemi. Ils vivaient donc dans l’hédonisme en attendant la mort. C’est terrifiant de penser à cette page de l’histoire, mais nous aimons tenter de nous associer à l’expérience de ces gens. Après tout, le rock est aussi violent.
Faites-vous le lien entre le thème de la chanson et ce que peuvent ressentir les gens lorsqu’ils dansent sur l’un de vos morceaux ?
Eleanor : Oui, clairement. Quand on est à une fête, on a le sentiment qu’on va perdre la tête et repousser les limites de notre expérience en faisait des choses extrêmes – des choses qu’il vaudrait peut-être mieux ne pas faire. C’est cette limite que nous cherchons à saisir.
On a souvent pointé la ressemblance de cette chanson avec Banquet de Bloc Party ; comment recevez-vous cette comparaison ?
Jason : Je n’avais jamais écouté Bloc Party avant. C’est ce riff de guitare qui incite les gens à faire la comparaison, et encore : si l’on prête un peu l’oreille, on s’aperçoit que les deux riffs ne sont pas du tout les mêmes. Quoiqu’il en soit, la ressemblance est une pure coïncidence.
En dehors de ce tube qu’a été Dressed In Dresden, comment travaillez-vous ensemble ? Comment gérez-vous les contraintes nées du fait que vous n’êtes que deux ?
Jason : Nous nous séparons pour écrire chacun de notre côté ; donc au début, c’est toujours l’un des deux membres qui donne à la chanson sa ligne directrice. De cette première phase émerge un texte ou un enchaînement d’accords… Puis on se réunit pour enregistrer. C’est là que commencent les ennuis, puisque le morceau évolue beaucoup pendant cette phase. De manière générale, il est rare que les compositions s’élaborent spontanément : on ne s’assoit pas pour jouer et voir ce qui se passe. Comme on n’est que deux, on ne peut pas tellement faire de jam sessions…
Eleanor : D’où l’intérêt du home studio, qui est un véritable outil de composition. Les samples nous aident beaucoup.
Jason : Mais c’est comme ça que j’ai toujours aimé travailler. Avant de me lancer dans la musique, j’étais peintre, et pour les arts visuels, c’est le même topo : travailler, prendre du recul puis ajuster le tableau.
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La peinture a-elle influencé votre méthode de travail dans la musique ?
Jason : Plus que la peinture, c’est la philosophie et ses outils conceptuels qui m’aident au moment de la composition.
Eleanor : Jason a une approche bien plus théorique que la mienne. Je fonctionne vraiment à l’intuition, tandis que Jason rationalise ce que nous faisons.
Jason : J’ai fait une école d’art où j’ai étudié des philosophes français comme Deleuze, et ces enseignements m’accompagnent encore aujourd’hui quand nous enregistrons. Par exemple, j’ai pris conscience de la matérialité de la chanson, qui est un objet à part entière, auquel on peut faire référence. Je faisais cela avec The Boggs, où nous imitions certains aspects des enregistrements des années 20, dans leur dimension purement sonore. J’aime le hip-hop pour cette même raison : ce genre met en pratique l’idée post-moderne selon laquelle on peut utiliser les disques comme des instruments. Mais je n’étais pas un très bon philosophe. (Sourire.)
Pourquoi avoir choisi de combiner le home recording avec l’enregistrement en studio ?
Eleanor : Il y avait les raisons de budget : nous voulions vraiment avoir du temps, et seul le home studio nous permettait cela. Mais le son obtenu chez nous nous plaisait aussi. Nous avons commencé à travailler sur les morceaux à la maison, puis nous les avons élaborées en studio, mais il est souvent arrivé que le producteur nous conseille de garder l’enregistrement originel, justement en raison de la qualité particulière du son.
Pourquoi avez-vous choisi de travailler avec différents producteurs ? Était-ce pour pousser le disque dans différentes directions ?
Eleanor : Le rêve initial était de faire comme pour un disque de hip-hop : avoir un producteur par chanson, parce qu’avec chaque nouveau producteur, on apprend des choses nouvelles, en utilisant du matériel différent. Rétrospectivement, je me dis que c’était mieux de ne nous concentrer sur quelques producteurs. Et nous ne les avons pas choisis par hasard, de même qu’ils n’ont pas accepté par hasard. Eric Broucek, qui a longtemps travaillé avec James Murphy (LCD Soundsystem), nous a fait jouer des synthés analogiques à l’ancienne. Richard X, lui, a une bonne expérience de la pop anglaise ; il a donné du punch et de l’immédiateté aux morceaux.
Vous citez des influences très diverses (de Gainsbourg au hip-hop en passant par le dub post-R&B et le disco punk). Pourtant c’est une impression de grande unité qui se dégage à l’écoute de votre premieressai. Comment parvenez-vous à intégrer tant de genres sans qu’il n’en résulte un fatras chaotique ?
Eleanor : (Sourire.) C’est ce résultat que nous souhaitions atteindre, donc c’est très gratifiant d’entendre cela. Avant de commencer l’enregistrement, nous avions une idée très précise de l’ordre des chansons. Nous avons volontairement parsemé l’album de nappes de synthé afin de créer une de continuité dans le son.
Jason : En ce qui concerne la diversité des influences, nous sommes très attentifs à ne pas faire du pastiche. Dès que nous sentons qu’un élément de notre chanson devient une imitation, nous coupons.
Comment faites-vous pour recréer ces chansons aux multiples épaisseurs en concert ?
Jason : Nous utilisons énormément de samples, mais jamais pour la guitare ou le chant. En ce sens, nous empruntons au hip hop le concept du soundsystem : le fait qu’en intégrant et en assumant la dimension purement physique de la musique, on crée quelque chose de nouveau, un événement nouveau indépendant du premier enregistrement.
Eleanor : Le soundsystem est sur scène avec nous : on aime qu’il soit visible, comme un membre du groupe (sourire.)
Jason : Parfois je me dis que ce serait plus simple d’avoir des musiciens, plutôt que de gérer la guitare et tous ces aspects techniques en même temps.
Votre musique a aussi bien des aspects rock que des accents plus disco ; comment aimez-vous que le public réagisse face à cela en concert ?
Eleanor : On souhaite clairement que les gens soient en sueur à la fin du concert, et qu’ils dansent. Mais il ne s’agit pas non plus de recréer l’ambiance d’une soirée dans un club. On alterne les moments dance et les moments plus calmes. Le set est pensé comme un long voyage dans lequel on emmènerait le public.
