Martha & The Muffins – Echo Beach
(extrait du single éponyme, 1980)
Je connais par cœur, pourtant… Ah ! Je n’ai pas écouté ça depuis 1980. (Sourire.) Pour moi, ça correspond à la période post-punk, quand mon frère (ndlr. Michka, journaliste et entre autres auteur du Dictionnaire Du Rock) écrivait sur la musique. On partageait le même appart’ à cette époque. J’aimais bien Martha & The Muffins, ce morceau-là surtout, mais je ne les trouvais pas assez radicaux. Ils avaient un peu à voir avec une… branchitude yuppie. Et je ne m’y identifiais pas ! (Sourire.) Pour le début de Clean, je pensais à une Amérique du Nord un peu générique. J’avais surtout envie de commencer dans ce genre de dispositif un peu archétypal qui est celui du mythe rock. Ou plutôt de la réalité rock : ces groupes qui vont d’une ville à l’autre, toutes semblables, avec le club, le motel et pas grand-chose à faire. Comme il est très compliqué de filmer aux États-Unis pour des histoires syndicales, on s’est vite dit que la solution était de travailler avec un coproducteur canadien. Quand ce dernier a lu le scénario, il a su exactement où tourner. Il m’a amené à Hamilton, à une heure et demie de Toronto, sur le lac Ontario, une ville de la sidérurgie, un peu déglinguée. Cet endroit s’est avéré bien mieux que ce que j’avais en tête ! Ce qui m’intéressait aussi, c’était d’avoir le contraste entre cet archétype rock et le retour au réel dans un Paris assez tristement quotidien.
Gallon Drunk – Miserlou
(extrait de la compilation Tonite The Singles, 1992)
C’est vachement bien, mais je ne vois pas… D’accord ! (Rires.) De Gallon Drunk, je n’ai que le premier album (ndlr. de 1992, connu sous un titre éponyme ou celui de You, The Night… The Music), que j’ai beaucoup écouté. Je voulais un vrai musicien pour le personnage et ma première idée, c’était Ian Brown. Je l’ai même rencontré, par un hasard complètement absurde. Il a un rôle à la con dans le dernier Harry Potter…, réalisé par Alfonso Cuarón, qui a fait Y Tu Mamá También. Or, nous avions sympathisé il y a quelque temps. Et c’est lui qui avait convaincu Brown à l’origine. Mais ce dernier s’est ensuite dégonflé. Autant ça l’amusait de tenir ce petit rôle dans Harry Potter…, autant là, avec l’overdose, il avait ce sentiment diffus que c’était mauvais pour son image. Du coup, on a continué à chercher, et j’ai vu une cassette de James. Mais ce n’est qu’en le rencontrant que j’ai fait le rapport avec Gallon Drunk ! (Sourire.) Nous nous sommes très bien entendus, c’est un type formidable. Et il a un vrai truc d’acteur, à la Gary Oldman.
Mazzy Star – Five String Serenade
(extrait de l’album So Tonight That I Might See, 1993)
Les premiers trucs que j’ai adoré de Dave Roback, c’est avec Opal. Il y avait aussi l’album de Rainy Days, avec Kendra Smith. J’ai vu deux fois Mazzy Star sur scène et j’aimais beaucoup leur attitude, cette protection de l’intimité, ce dans quoi je peux éventuellement me reconnaître. Et puis, j’avais le sentiment qu’il travaillait avec des voix féminines de la même façon que moi avec des comédiennes. Je me suis donc dit que ce serait intéressant de le contacter, puisque Maggie avait envie de chanter. Après, il faut accepter de travailler à son rythme, qui n’est pas celui de Speedy Gonzalez. (Sourire.) Au départ, il a fait une maquette avec Hope Sandoval, qu’il a envoyée à Maggie. Elle était tétanisée : “Je suis incapable de faire ça !” (Rires.) Dave était très content de l’expérience. Je crois qu’il veut refaire des trucs avec Maggie. D’ailleurs, l’idée originelle était de sortir le film et un album en même temps. Mais l’histoire s’est compliquée… Je m’étais amusé à dresser une liste de collaborateurs : Belle & Sebastian, Ron Sexsmith, Evan Dando, Nick Cave, Dean Wareham, Dave Roback, Stephen Merritt, tous étaient partants. Il y avait Tricky, aussi. Il a trouvé l’idée super et a proposé de produire le disque. Sur le coup, je trouvais ça pas idiot. Puis, il a commencé à discuter argent et je crois qu’il avait une idée assez abstraite du type d’économie dans laquelle j’évoluais. On est parti dans des négociations proches de la science-fiction, et rien n’a abouti.
Scott Walker – Speak Softly Love (Theme from “The Godfather”)
(extrait de l’album The Moviegoer, 1972)
Je ne suis pas fan de musique de film. Bon, ça, c’est sublime, il y en a quelques autres, mais en général, j’ai en horreur les BO sirupeuses et sentimentales. Ça rappelle le cinéma “classique”, pour lequel je n’ai aucune fascination. Mon truc, c’est vraiment le cinéma moderne. Dans Désordre (ndlr. 1986), il y avait ce tiraillement bizarre entre les morceaux rock que j’avais choisis et les compositions de Gabriel Yared. C’est un excellent musicien, mais bon, c’est de la musique de cinéma français dans ce que ça a de… C’est de la musique de cinéma français, quoi. (Rires.) Sur mon deuxième long, L’Enfant De L’univers, j’ai pourtant utilisé l’éternel quatuor à cordes du ciné français. Franchement, j’étais content au départ. Et une fois le film terminé, je trouvais qu’il y avait un problème. Et oui, il y avait un problème : je haïssais cette musique. En fait, c’est bien en soi, mais je ne la supporte pas sur mes images. Je me suis dit : “Plus jamais”. Et je suis allé chercher John Cale pour le film suivant parce qu’ado, j’avais adoré The Academy In Peril, avec une instrumentation classique sans être guimauve. Malheureusement, il m’a fait un truc qui ressemblait trop à une musique de film et je l’ai utilisée de façon parcimonieuse. Je me suis donc décidé à faire des collages : c’était la seule manière de m’approprier la matière sonore. Pour moi, ce sont les films qui génèrent leur propre logique. Au moment d’écrire Fin Août, Début Septembre, j’imaginais des trucs mélancoliques, comme Nick Drake. Mais quand j’ai essayé sur les images, elles n’en voulaient pas ! Pour Clean, comme la musique est l’arrière-plan du film, je savais qu’il en faudrait, sans savoir très bien quoi. Et il s’est passé la même chose que pour Irma Vep (ndlr. 1996) : ce que j’écoutais à ce moment-là qui a fait son chemin. On a fini le film à Londres, où je suis tombé sur des vieux Brian Eno en soldes. J’étais curieux de voir comment ça sonnait aujourd’hui. J’ai écouté ça en boucles pendant la période où je montais le film et par glissement, Eno s’est retrouvé sur la BO.
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Ciccone Youth – Into The Groove(y)
(extrait du single éponyme, 1986)
J’ai rencontré Sonic Youth après avoir utilisé Tunic sur Irma Vep. Il s’est avéré que nous avions un ami commun, Michael Shamberg, que j’avais connu en faisant des repérages à New York pour Désordre. Il dirigeait alors Factory US. Bref, quand il a fallu négocier les droits du titre de Sonic Youth, Michael m’a aidé. Par chance, le groupe a aimé le film et nous sommes restés en contact. De mon côté, j’ai adoré ce qu’ils ont enregistré à partir de là, en particulier les disques expérimentaux. Je trouvais que c’était de plus en plus inventif et que ça pourrait très bien se marier avec des images. J’ai aussi craqué sur le premier album réalisé avec Jim O’Rourke, NYC Ghosts & Flowers… Du coup, au moment d’écrire Demonlover (ndlr. 2002), je leur ai proposé de faire la BO mais en commençant à la lecture du scénario, puis, en visionnant des rushes au fur et à mesure. À ma grande surprise, ils m’ont répondu : “C’est exactement ce qu’on a envie de faire”. Ça reste ma meilleure expérience avec des musiciens. En général, ce sont des fétichistes, ils te donnent le truc fini, tandis qu’eux m’ont laissé les versions Pro-tools. Je pouvais donc prendre piste par piste et faire vraiment glisser la musique dans les images.
Primal Scream – Kowalski
(extrait du single éponyme, 1997)
(Immédiatement.) J’adore. J’aime tout de Primal Scream, même les trucs juste après Jesus & Mary Chain. En fait, pour le groupe sur scène dans Désordre, je souhaitais vraiment que ce soit Jesus & Mary Chain, mais ils étaient en tournée (ndlr. ils seront remplacés par les Woodentops). Je n’écoutais que ça à l’époque. Avec Primal Scream, Bobby Gillespie a réussi à se faire rencontrer l’esprit punk et l’électronique. Sinon, Kowalski est bien sûr le personnage principal de Vanishing Point, un long-métrage que j’ai choisi pour une programmation faite dans le cadre d’un festival new yorkais. En fait, dans ma sélection, j’ai essayé de raconter comment, dans le cinéma, il y a des choses qui peuvent se croiser avec l’énergie du rock. J’adore tous les films qui se sont fait dans la foulée d’Easy Rider. Ils donnaient le sentiment de fuir quelque chose et ce quelque chose, c’était les studios. J’étais très sensible à cette idée de liberté, mais aussi de radicalité, portée par la musique.
Joy Division – She’s Lost Control
(extrait du coffret Heart And Soul, 1997)
(Dès l’intro.) Voilà un groupe que je peux entendre avec le même émerveillement, quelle que soit l’époque. Là, ces deux secondes me font exactement le même effet qu’à la première écoute. On peut faire un parallèle entre la musique et les acteurs : soit c’est joué juste, soit ça ne l’est pas. Joy Division, c’est quelqu’un qui met tout sur la table, avec une autorité et une clarté… Mon grand regret est d’avoir loupé le concert aux Bain-Douches. Aujourd’hui encore, je m’en mords les doigts. Par la suite, grâce à Michael Shamberg et Michel Duval de Factory Benelux, j’ai eu des rapports périphériques avec Factory et New Order. Récemment, j’ai vu 24 Hour People en Dvd et la justesse de l’acteur qui jouait Ian Curtis m’a absolument stupéfait. Les silhouettes de New Order, de Rob Gretton sont absolument crédibles. Quant aux Happy Mondays, c’est à s’y méprendre ! Après, je trouve le film manqué, un peu bâclé. Mais il m’a beaucoup ému et je me suis rendu compte à quel point cette époque et cette musique ont compté pour moi. En plus, dans le label, il y avait ce socle post-situationniste, quelque chose qui a beaucoup compté pour moi intellectuellement et politiquement. La disparition de Factory, de la Haçienda font partie des pires choses du passage du temps.
Air – Playground Love
(extrait du single éponyme, 2000)
C’est très bien. Pour le coup, comme manière d’occuper le terrain musicalement, j’ai trouvé ça très fort. La moitié, voir l’essentiel de ce que j’aime bien dans Virgin Suicides, vient de la BO : il y avait quelque chose d’extrêmement juste dans la mélancolie des compositions. C’est vraiment l’âme du film. Mais Sofia Coppola fait partie des quelques cinéastes qui utilisent très bien la musique. Dans Lost In Translation, que je préfère, les morceaux de My Bloody Valentine ou de Jesus And Mary Chain sont sublimement incérés. Je suis moins la scène française aujourd’hui, alors qu’à une époque, je zonais en plein dedans. (Sourire.) C’est aux alentours de 1979 que j’ai eu envie de réaliser un film. Mais je n’avais pas du tout envie d’aller voir des acteurs, plutôt une chanteuse, en l’occurrence Elli Medeiros, qui joue dans mon premier court-métrage. J’avais vécu un temps à Londres car je travaillais comme stagiaire au montage son de… Superman, ce qui reste à peu près ma seule expérience de l’aliénation. (Sourire.) Tous les soirs, j’allais voir des groupes sur scène. Du coup, de retour à Paris, je me suis rattaché au truc, et les Stinky Toys avaient pour moi la même envergure que les Britanniques. Et j’avais plus de choses à dire à Elli qu’à un acteur ayant tourné avec Duras. Évidemment, on s’est immédiatement bien entendu. On a fini par faire trois courts ensemble. À l’époque du premier, il s’est passé un truc assez rigolo. Je lui ai demandé de faire de la musique pour le film avec les Toys, mais ils ne pouvaient car ils avaient un contrat d’exclusivité avec Vogue. Donc, Jacno a composé sous son nom et l’un des morceaux est devenu un tube : c’est Rectangle. Quant au film, c’est une catastrophe et je le cache depuis précautionneusement…
Buggles – Video Killed The Radio Stars
(extrait de l’album The Age Of Plastic, 1980)
J’adore ça aussi ! (Il chantonne.) Je n’ai jamais réalisé de clips. Je ne pourrais en concevoir qu’avec des groupes dont je suis fan. Comme les trucs que j’aime sont souvent étrangers, j’ai rarement le temps ou la disponibilité. Il y a d’ailleurs eu un projet avorté avec Sonic Youth. Video Killed The Radio Star, ce n’est donc pas de ma faute. (Sourire.) Ce morceau est un miracle pop atemporel. À chaque film, j’essaye de le placer, mais je n’y suis toujours pas arrivé. (Rires.)
The Dears – Lost In The Plot
(extrait de l’album No Cities Left, 2003)
Morrissey ? (En découvrant la pochette.) J’ai déjà écouté en fait, à Toronto : ils faisaient partie de la sélection des nouveaux artistes parmi lesquels j’ai choisi le groupe qui joue live au début de Clean. C’est bien, mais je voulais une voix féminine et le morceau ne correspondait pas à ce que je souhaitais. J’ai écouté une pile de trucs, il y avait même une maquette de Feist. Et je suis tombé sur Metric, le projet de James Shaw de Broken Social Scene : c’était exactement l’esprit que je cherchais. Je les trouve très bons d’ailleurs. La musique me passionne toujours autant. Mais je suis moins touché par les nouveaux groupes américains, à par les White Stripes. C’est marrant car Désordre était un peu un film sur la fin du rock, de sa radicalité, sur la victoire de l’industrie… Puis le grunge a donné un nouvel élan. Mais aujourd’hui, on a à nouveau perdu ce radicalisme. Idem dans le cinéma. C’est aussi pour ça que je me sens proche de Sonic Youth : ils donnent l’impression d’avoir préservé une authenticité et une non-compromission au système que je trouve franchement bien.
