À mains nues, Philip Moore et Beth Tacular ont construit une maison en bois, au milieu de la forêt, non loin de Raleigh (Caroline du Nord). Un endroit à eux, qui leur ressemble, proche de la nature, très précisément à l’image d’une discographie qui prend ce printemps une tournure inattendue. Avec Hymns For A Dark Horse (2007) et Upper Air (2009), Bowerbirds a rangé de son côté les amoureux d’un folk frugal et chaleureux, qu’un jugement rapide aurait tôt fait de réduire à une poignée de clichés : lui est barbu, a été traqueur d’oiseaux et n’a pas renoncé aux chemises à carreaux ; elle est graphiste, brune et jolie comme un cœur dans ses robes à motifs ; ils aiment les gens et vivent en harmonie avec la nature. Les circonstances mêmes de leur rencontre pourraient prêter à sourire : “Nous nous sommes rencontrés alors qu’on bossait pour un magasin d’alimentation bio. Je lui ai demandé un rendez-vous à un moment où nous sortions les poubelles de nos rayons respectifs. Elle a dit oui. Nous sommes allés voir Califone en concert ce soir-là, avant de rester éveillés à parler jusqu’à cinq heures du matin.” Sans céder un pouce sur ce terrain d’un humanisme doux et amoureux, le duo publie aujourd’hui un troisième LP ambitieux, construit sur les cendres de trois années difficiles : la perte d’un ami proche, une grave maladie qui a frappé Beth et une année de séparation pour le couple. The Clearing est une collection de chansons amples et généreusement orchestrées qui doivent un peu à l’amitié liant les deux jeunes gens à Justin Vernon, rencontré bien avant qu’il n’enregistre For Emma, Forever Ago (2008), et qui s’occupa de leur chat (Moosh) à l’été 2006, tandis que Bowerbirds sillonnait le pays à bord d’un mini-van. Pour enregistrer cet album qui les agrège plus que jamais à une famille élargie qui irait de Damien Jurado à Mountain Goats en passant par Lost In The Trees ou Sharon Van Etten, Philip et Beth ont bénéficié des services de Brian Joseph, ingénieur du son de Bon Iver, et d’un séjour à April Base, le studio bâti par Justin Vernon à Eau Claire (Wisconsin). Récit détaillé, par Philip Moore, de l’élaboration d’un disque beau et important, dont le regard porte loin – le garçon cite Graceland (1986) de Paul Simon comme influence première – et qui devrait marquer l’année.
Dans quelles conditions avez-vous écrit les chansons de The Clearing ?
Nous avons entamé l’élaboration au sortir de trois années très éprouvantes. The Clearing reflète ce moment précis, quand nous avons retrouvé notre maison, notre environnement, et que nous avons été capables d’être à nouveau créatifs ensemble. Le titre traduit ça, ce moment où le stress s’évanouit et où l’on peut être soi-même et se concentrer sur son bonheur. De cette période difficile, nous avons appris que nous n’étions pas capables d’assumer autant de choses que nous le pensions autrefois, que nous avions besoin de ralentir la cadence. Ralentir notre rythme de tournées et notre vie en général a libéré notre esprit et permis une meilleure maturation des chansons et des idées. Nous avons aussi appris à mieux partager notre musique avec les autres. Nous avons passé beaucoup de temps sur l’album, nous avons soigné les détails.
Comment avez-vous travaillé ?
Tous les morceaux ont pour point de départ une esquisse à la guitare ou au piano. Puis nous avons très lentement ajouté différents éléments jusqu’à ce les chansons prennent forme. C’était un processus très organique, où pendant une longue période nous avons ajouté des parties entières aux chansons, changé leur structure, jusqu’à avoir le sentiment qu’elles étaient abouties. L’idée était de nous laisser être le plus créatif possible.
Avez-vous enregistré tout l’album à April Base, le studio de Justin Vernon ?
Nous avons d’abord réalisé des démos pour toutes les chansons, qui étaient abouties et complètes, avant de nous rendre à April Base avec pour objectif d’enregistrer tout en dix jours avec Brian Joseph. Il était très occupé et c’est tout ce qu’il pouvait nous accorder, entre le disque et les tournées avec Bon Iver. Mais quand on a commencé à enregistrer les différentes parties des démos, nous avons réalisé que le temps allait nous manquer pour faire les choses correctement. Brian est un excellent ingénieur, méticuleux, et il nous a permis de partir sur de bonnes bases, en enregistrant l’essentiel des guitares, des batteries et des claviers. Sean Carey et Matt Wasmund ont également joué du vibraphone et des vents sur les chansons, avant qu’on ne rentre à la maison. Une fois rentrés, on a convenu qu’on ne pourrait tenir notre deadline et sortir le disque à l’automne 2011, comme prévu, ce qui s’est avéré être une bénédiction. Décaler la sortie au printemps nous a donné l’opportunité d’être créatifs, d’expérimenter des choses, sans stress, pendant six ou sept mois, à l’issue desquels nous avons mixé et masterisé l’album à New York.
Qu’ont apporté Brian Joseph et les musiciens de Bon Iver à votre musique ?
Brian est un ingénieur du son incroyable, qui a eu une influence considérable sur l’album. Même quand nous sommes rentrés à la maison, nous avons essayé de reproduire ses techniques et l’incroyable attention qu’il porte aux détails. Il est très concentré et patient, il continuera à travailler sur quelque chose jusqu’à ce qu’il atteigne la perfection. Au début, nous étions presque choqués de voir à quel point il réfléchissait à la moindre chose, comme le placement des micros et des cloisons pour enregistrer l’accordéon. C’est en écoutant le résultat qu’on a compris. C’était juste après l’enregistrement de Bon Iver, Bon Iver (2011) et il était bien rodé. C’est formidable qu’il ait mis son oreille et sa technique au service de notre album. Quant à Sean Carey, c’est un très bon ami, on aime ce qu’il fait, et il a été très généreux en venant jouer sur le disque. C’est bon d’avoir cet amour et ce respect mutuel. Ces deux gars comptent sans doute parmi les personnes les plus positives et aimantes que tu puisses rencontrer. Et ce n’est pas juste une formule. À leur contact, c’est difficile de rester triste très longtemps.
PAYSAGES SONORES
En termes de structures et d’arrangements, ces nouveaux morceaux sont assez ambitieux. Comment avez-vous travaillé ces aspects-là ?
Les structures sont venues telles quelles, au moment de l’écriture et de l’enregistrement des démos. Nous avons beaucoup expérimenté et réarrangé les chansons à ce moment-là du travail. Quelques éléments ont continué à évoluer à notre retour d’Eau Claire. Par exemple, l’idée de faire un lien entre Death Wish et Now We Hurry On, avec un interlude au trombone et violoncelle, nous est venue après que notre ami Tim Phillips ait écrit un arrangement de trombone pour Death Wish. Sa partie ne collait pas avec l’improvisation hallucinante de clarinette basse que Matt Wasmund avait ajoutée à la chanson quand nous étions encore à Eau Claire. Matt est un vieil ami de notre batteur, Yan, ils se sont rencontrés dans une école de jazz. Et c’est Yan qui a eu l’idée de le faire jouer une fois les chansons déjà enregistrées. J’avais écrit quelques parties à son intention, mais sur Death Wish, il a juste improvisé. Nous aimions tellement le résultat que nous avons décidé de prendre la partie de trombone de Tim pour en faire un interlude, et avons écrit une partition de violoncelle pour l’accompagner. Nous avons également arpenté notre terrain pour enregistrer des criquets et divers bruits. À l’initiative de Brian, on s’était enregistré marchant dans les feuilles derrière April Base, mais on a choisi de réenregistrer des sons une fois à la maison, pour leur donner une dimension plus personnelle, liée à notre environnement. Nous voulions expérimenter davantage, en termes de timbre, de paysages sonores, et incorporer plus d’instruments. Avant Bowerbirds, je jouais dans un groupe de post-rock expérimental qui s’appelait Ticonderoga, où l’on utilisait tout ce qu’on pouvait trouver pour créer des sons et des atmosphères. Et en commençant Bowerbirds, je voulais créer un son plus dépouillé, me limiter à quelques sonorités basiques, voir comment je pouvais jouer avec une palette réduite. Après deux albums où on s’est volontairement limités, nous étions prêts à explorer autant que nous le voulions, à faire correspondre au mieux les textes et la signification de chaque chanson à un son et un timbre idoines. Cela donne des chansons plus variées dans leurs sonorités et peut-être aussi dans les images qu’elles dégagent.
La nature semble être un élément important dans vos chansons…
Oui, nous y passons beaucoup de temps et cela influe sur ce que nous faisons. Mais pour nous, c’est la norme, tandis que la plupart des gens envisagent la nature comme un endroit où ils s’échappent. Nous vivons simplement là, au milieu des sons sauvages et du calme paisible de la forêt. C’est ainsi que les humains ont évolué et ça nous rend naturellement et réellement heureux. Nous n’envisageons pas les plantes et les animaux avec qui nous partageons la terre comme des trucs mignons, mais plutôt comme des éléments avec qui l’on cohabite, au sein d’un réseau vivant interconnecté.
Quelle thématique pourrais-tu dégager de The Clearing ?
Les paroles tournent largement autour de l’idée d’accepter la vie et la mort. Elles évoquent le fait de traverser l’adversité et de trouver la beauté dans ce que tu as, que ce soit la santé, quelqu’un avec qui partager ta vie ou les étoiles dans le ciel. Nous travaillons énormément sur nos textes et ils nous importent au moins autant que la musique. Nous adoptons simplement un point de vue honnête sur ce que nous comprenons des choses ou sur les difficultés contre lesquelles nous bataillons. Ce nouvel album est notre plus autobiographique et personnel à ce jour.
Vous vous êtes un temps séparés, tout en maintenant Bowerbirds en activité. Imaginez-vous faire de la musique l’un sans l’autre ?
Je pourrais imaginer faire de la musique, d’une manière ou d’une autre, mais pas avec Bowerbirds si jamais nous nous séparions. Mais cela n’arrivera plus, nous pourrons l’éviter.
