Fondé en 1996, Glass Candy n’a rencontré le succès qu’en 2007 avec B/E/A/T/B/O/X. Éclaire-nous sur cette longue mue qui vous voit passer, toi et ta copine Ida, du post-punk débraillé à l’italo disco.
C’est surtout lié aux aléas de la vie, ça s’est fait très lentement. Quand nous avons créé Glass Candy, je n’avais jamais fait de musique pop avant, je n’avais aucune idée de comment composer une chanson. Je ne savais même pas jouer de la batterie, ni même de la guitare. J’ai dû tout apprendre par moi-même, petit à petit. Mes premiers enregistrements étaient très brouillons parce que je ne savais pas ce que je faisais. Ma musique se tournait naturellement vers les synthés, mais, dans ma tête, je faisais une distinction : d’un côté, le son basé sur les synthés, qui est plus abstrait, et d’un autre côté, la pop, qui est davantage axée sur les guitares. Les débuts de Glass Candy étaient vraiment très underground, on se foutait bien de savoir si les gens s’intéresseraient ou non à notre travail. Ce qui nous plaisait, c’était d’enregistrer.
Qu’est-ce que vous écoutiez à l’époque ?
On était à fond sur les Stooges, les Heartbreakers, les New York Dolls, les Rolling Stones, des trucs comme ça. On l’est toujours d’ailleurs. Et puis on s’est mis à beaucoup écouter Kraftwerk, Blondie, Donna Summer, etc. Nos goûts musicaux se sont lentement aiguisés et sont devenus plus éclectiques en même temps que je m’améliorais musicalement. Je suis devenu plus à l’aise quand j’ai pu introduire mon expérience de la musique électronique dans un schéma pop, en effaçant peu à peu la frontière que j’avais imaginée entre ces deux mondes. Dans ma tête, mon electro restait de l’ordre du privé, et demeurait très personnelle, tandis que le rock était plus un truc de scène. En même temps, Ida était une performeuse, une chanteuse, mais elle avait besoin de quelqu’un pour l’accompagner, et il se trouve que j’aimais bien ses paroles. Elle adore Black Sabbath, Shocking Blue, etc. Du coup, quand elle écrit, elle ne pense pas à la house ou au disco, mais au rock. Elle travaille a capella, sans aucun son pour l’accompagner, et mon boulot, c’est de trouver la musique et le rythme qui correspondent.
Les paroles sont donc toujours le point de départ ?
Oui, parce qu’elle ne peut pas écrire à partir de ma musique, ni à partir d’aucune autre. Pour Chromatics et Desire, je compose d’abord la musique, je trouve un thème, les paroles viennent s’y poser, et je finis par travailler le rythme et les mélodies. C’est différent avec Ida parce qu’elle trouve son inspiration dans le silence, totalement isolée du monde extérieur. Je bosse donc sur le rythme en amont, et quand elle enregistre ses paroles, je n’ai plus qu’à broder une atmosphère adaptée à ses textes. C’est ce qui fait toute la particularité de Glass Candy.
À propos de particularité, comment expliques-tu le contraste entre l’aspect mélancolique de vos morceaux et leur carénage disco ?
Les gens ont tendance à associer systématiquement l’electro aux discothèques et à la ribouldingue. Je ne partage pas du tout cette vision. Pour moi, c’est autre chose, plus en rapport avec John Cage, Karlheinz Stockhausen, etc. Des compositeurs expérimentaux qui utilisent des éléments électroniques. Nous faisons de la dance très sombre, et j’aime beaucoup cette ambiguïté. La plupart des trucs disco que j’apprécie sont ténébreux, liés à des thèmes romantiques comme la perte d’un amour, ou le fait de surmonter une situation difficile. Bref, pour en revenir à ta question, quand je compose, je ne pense pas à tout ça, si ça va être dansant ou non. Beaucoup de producteurs ont une idée de ce que pourrait être le morceau parfait, et essaie de s’en rapprocher le plus possible. Moi, je n’en ai aucune idée. Je commence une chanson et je la laisse tracer sa route. Si le titre ne dépote pas, c’est pas grave, j’en fais quelque chose de plus abstrait. Tant pis si je ne ponds pas un tube. Se cantonner à un idéal, c’est sombrer dans la monotonie. Ce qui nous branche, ce sont les temps morts entre les hits, ces espaces libres qui aident à explorer des ambiances plus nuancées.
Comment en es-tu venu à fonder Italians Do It Better avec Mike Simonetti ?
En fait, nous avons d’abord signé des albums sur son label Troubleman Unlimited Records, de 2000 à 2006. C’était vraiment super. J’ai alors commencé à bosser avec les Chromatics, que j’ai repris en main, puis avec Farah et Mirage. Ensuite, il y a eu le début de Desire. Troubleman Unlimited devenait très éclectique, mais avait aussi tendance à s’éparpiller. Les fans de Glass Candy commençaient à découvrir le nouveau Chromatics, et ça devenait difficile de jongler avec tout ça. J’ai donc parlé à Mike de mon désir de créer un nouveau label avec mes cinq poulains : Farah, Mirage, Glass Candy, Chromatics et Desire. Tous ces groupes sont dispersés entre Montréal, Portland et Dallas, mais ils s’inscrivent dans un même élan. C’est comme une famille éclatée. J’ai dû rompre avec Troubleman parce que son fonctionnement ne me permettait pas de réaliser mes disques à ma façon : des albums complets, produits à ma sauce, et illustrés par mes pochettes. Je souhaitais que ces cinq formations partagent la même identité, comme si elles s’inscrivaient dans une sorte de mouvement artistique. C’est ce qui est train de se passer d’ailleurs.
La création du label a-t-elle eu un impact sur ton travail ?
Bien sûr ! Mike et moi avons mis cette structure sur pied ensemble. J’ai un droit de regard total sur l’argent qui y circule. Je m’occupe des groupes, et lui s’occupe des Dj’s. Si quelqu’un a besoin d’un synthétiseur ou d’un billet d’avion, ils m’appellent. Je prends tout en charge. Je peux réaliser les albums dans le format que je veux. Il n’y a pas de barrière. Je n’ai pas à me pencher sur toutes ces conneries de distribution, cette saleté de bureaucratie. Je réalise les pochettes, les imprime moi-même, et Mike s’occupe du reste, de toute la logistique. Ça me laisse beaucoup de liberté. Je suis en contact direct avec les artistes, je les préserve de la pression des autres labels, de toutes les dérives du business.
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En dehors de l’artwork, tu as aussi réalisé certains clips pour les Chromatics. Pourquoi est-ce si important pour toi de créer ta propre esthétique ?
Je ne suis pas payé pour faire ça, tu sais. Du coup, il n’y a pas de délais à respecter. Et tant mieux puisque réaliser une pochette d’album peut me prendre plusieurs mois, alors que si on embauchait quelqu’un pour le faire, ça serait réglé en quelques jours, mais je ne suis pas sûr que le résultat collerait avec ma vision. En plus, je n’utilise pas d’ordinateur pour faire le graphisme. Tout est entièrement basé sur la photographie et la peinture.
D’ailleurs, tu n’utilises jamais d’ordinateurs, même dans ta musique.
Je ne sais pas m’en servir, c’est aussi simple que ça ! (Rires). J’ai commencé à enregistrer en 1989. À l’époque, j’avais juste un magnéto cassette. J’ai investi en 1992 dans un 4-pistes, puis dans un 8-pistes en 1994, puis dans un 16-pistes. Aujourd’hui, je suis sur un 24-pistes. Je me suis toujours contenté de ça parce que je n’utilise quasiment que des synthés. Je sais que beaucoup de musiciens electro manient l’ordinateur comme des chefs maintenant, et ça peut donner des trucs vraiment incroyables, très futuristes. Mais je sais que ce n’est pas fait pour moi, je ne me vois pas m’exprimer via un ordinateur. Je ne dis pas que je n’en serais pas capable, mais ça fait vingt ans que j’enregistre de la même manière, et ça m’offre une liberté précieuse. Par exemple, je joue tous les arpèges à la main, parce qu’à force, j’ai appris à jouer vite. À l’inverse, souvent, ceux qui utilisent des ordinateurs ne savent pas utiliser un piano car ils ont l’habitude des sons programmés. Ce n’est pas une tare, mais ils deviennent dépendants de leurs machines. Je suis capable d’écrire une chanson plus rapidement parce que je m’exerce tout le temps, plusieurs heures par jour. Mais c’est vrai qu’il y a certains problèmes qui ne m’arriveraient pas si j’utilisais un ordinateur, et quelque part, j’envie un peu les compositeurs qui en ont l’habitude. Disons que, si au départ ce n’est pas vraiment un choix, ça a fini par devenir un trait de mon identité musicale.
Je suis tombé il y a quelques jours sur une vieille vidéo des débuts de Glass Candy où vous aviez un look très glam rock, Ida et toi. Il y a aussi le maquillage et les larmes dessinées sur ton visage, quand tu es sur scène. Détaille-nous le « look Johnny Jewel ».
Oui c’est vrai, on est très influencés par le glam rock de Gary Glitter, David Bowie, Iggy Pop, les New York Dolls, et toutes ces choses liées au cabaret. On aime bien user de cette imagerie iconique qui pullulait dans le rock des années 70. Pour ce qui est des larmes, elles font référence à l’histoire d’Arlequin, au bouffon mélancolique. Je me maquille en live pour instaurer une barrière, pour me protéger, parce que je ne veux pas être sur scène, et je ne veux pas être filmé. C’est comme un masque. J’imagine que le « look Johnny Jewel », c’est un zeste de David Bowie, un brin de vaudeville, et un peu d’Arlequin. Ça n’a rien à voir avec la mode, c’est plus une esthétique.
Tu sembles également influencé par les films. Lesquels ?
Oui, définitivement. On aime beaucoup Godard, les films classiques, les histoires modernes d’hommes et de femmes qui doivent se battre contre les rudesses de la vie, les films glam-rock du début des années 70, ou la réinterprétation de l’imaginaire sixties dans les années 80. En fait, ce sont plein de petites influences que l’on pioche depuis nos débuts, rien n’est figé. Le look d’Ida change régulièrement d’ailleurs. Parfois, elle est inspirée par Brigitte Bardot, parfois par Jane Fonda, et parfois par Led Zeppelin ! (Rires).
Quelles BO t’ont marqué ? On cite souvent Gorgio Moroder ou Goblin à ton sujet.
Je ne suis pas vraiment influencé par les BO de Moroder, même si j’aime bien son travail. Ce sont plutôt celles de John Carpenter et Claudio Simonetti qui m’ont réellement tourneboulé. J’ai découvert Claudio Simonetti en 2000 quand j’ai rencontré Mike. Il avait acheté l’un de ses disques uniquement parce qu’il portait le même nom de famille ! (Rires). Après, il a dégoté un album de Goblin (ndlr. le groupe de Claudio Simonetti). Il trouvait ça incroyable et m’a conseillé d’écouter. J’avais déjà entendu, l’air me paraissait familier, sans doute parce que j’avais vu le film Suspiria quand j’étais plus jeune. J’aimais beaucoup l’ambiance, ça me faisait penser à celle d’Halloween. C’est très répétitif, il n’y a pas plus de deux notes, et ça, ça me botte sévère. Mais, à vrai dire, j’ai seulement réalisé à quel point ça m’avait influencé quand, après l’un de nos concerts en 2002, un mec est venu me voir en disant : « Wow, c’est génial ! C’est la rencontre parfaite entre le rock et John Carpenter ! ». Au début, j’ai cru qu’il me parlait des Carpenters. Et puis j’ai revu la personne à un autre concert new-yorkais. Elle m’a filé la B.O. de New York 1997 de John Carpenter. En écoutant ça, je me suis dit : « Oh mon Dieu, mais c’est ma musique ! » Je n’arrivais pas à y croire. J’avais vu ce film quand j’étais môme, mais j’avais oublié. J’imagine qu’inconsciemment, ça m’avait marqué et avait laissé une empreinte indélébile dans mon crâne. Je suis devenu complètement dingue de cette B.O., et je me suis rendu compte que celle d’Halloween était aussi de lui.
C’est la même chose avec l’italo disco. J’en faisais sans vraiment le savoir, et c’est seulement en discutant avec des fans que je me suis rendu compte des similitudes. Tu sais, à nos débuts, on était totalement dans notre bulle. On écoutait surtout Kraftwerk, mais pas du tout d’italo disco. Tout’ façon, je n’ai pas beaucoup de temps pour écouter le travail des autres, je joue à peu près douze heures par jour.
Ouch. T’es un sacré bosseur !
Oui, parce que j’aime ça. Je m’en fous du business de la musique. La seule raison pour laquelle nous sommes encore là, c’est parce qu’on aime vraiment ce qu’on fait. Nous avons commencé depuis tellement longtemps sans avoir aucune reconnaissance ni beaucoup de moyens. C’est aussi pour ça que nous ne sommes pas toujours au parfum des autres artistes qui font la même chose que nous. Parfois, des mouvements similaires émergent dans différentes parties du globe, mais on est tellement rivés sur ce que nous faisons que l’on ne s’en rend même pas compte ! (Sourire).
Le prochain album des Chromatics est en préparation. Est-ce que tu connais déjà la date de sortie ?
On espère qu’il paraîtra cet automne, mais ce n’est pas plus précis que ça. Comme je l’ai déjà dit, notre manière de fonctionner est très artisanale. Quand l’enregistrement est terminé, je l’envoie au pressage et à iTunes. Mais pas de date de sortie officielle, ni de campagne de promotion. On devrait peut-être le faire, mais ça n’empêche pas les gens de nous retrouver et d’acheter nos disques !
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Penses-tu que l’équation Chromatics + Glass Candy = Desire est valable ?
Oui, c’est sensé. À la différence que Desire est un groupe viscéralement pop, c’est beaucoup plus mélodique que Glass Candy et Chromatics réunis. Desire parle d’amour, et les Chromatics, de la mort. Mais pas dans un sens gothique, plutôt dans celui du temps qui passe, de ce qui nous reste à vivre ensemble. Les chansons de Glass Candy traitent plus du rapport entre l’intime, notre quotidien, et l’environnement extérieur, l’univers.
Comment as-tu rencontré Megan Louise, la chanteuse de Desire ?
Ida et moi étions en tournée, nous organisions une soirée à Montréal, là où Megan habite. Pendant une journée de repos, on a entendu parler d’un groupe qui jouait dans le coin. Nous sommes allés le voir sur scène, et j’ai trouvé la voix de la chanteuse vraiment géniale. C’était Megan. Mais ce soir-là, son chant était très différent de ce qu’elle fait aujourd’hui pour Desire. C’était vachement glam rock ! On a discuté avec elle après ce concert, et c’était drôle parce qu’elle ne connaissait pas Glass Candy, juste quelques chansons des Chromatics sans le savoir. Elle n’avait pas non plus entendu parler d’Italians Do It Better. Elle a vraiment son propre univers, un peu à l’écart de tout ça.
Est-ce que ta manière de travailler change avec Desire ?
La principale différence, c’est que j’ai beaucoup plus de liberté avec la gamme mélodique d’une chanteuse comme Megan. Ruth [ndlr. Radelet, chanteuse des Chromatics] est beaucoup plus limitée. Le son des Chromatics est énorme, il rappelle celui du Velvet. La voix de Ruth est incroyable, mais je n’ai pas autant de possibilités qu’avec Desire, avec qui je peux bricoler plein de ponts mélodiques différents, tester des transitions originales. La voix de Megan a une tonalité tellement parfaite qu’elle n’est pas perturbée par ce qu’elle entend, contrairement à Ida et Ruth qui adaptent leur voix à la musique. Sans doute parce que Megan a été chanteuse de jazz pendant sept ans au sein d’une formation de son bahut.
Est-ce que les paroles françaises de Desire changent ta manière de composer ?
Complètement ! La première fois que j’ai travaillé avec Megan, je n’entravais rien au français, et tout sonnait très bien parce que je ne comprenais rien. Dans Glass Candy, j’ai l’habitude d’adapter ma musique au rythme des paroles d’Ida. En français, le challenge est différent, plus difficile car la langue ne m’est pas familière. Mais ça n’empêchera pas de trouver des morceaux en français sur le prochain album de Desire.
Pourquoi tu ne t’entoures que de femmes superbes ?
Oh, je n’ai pas toujours bossé avec des filles. Pour Chromatics, j’ai travaillé pendant six ans avec un vrai mec ! Le chanteur de Mirage, Julius. J’ai aussi travaillé avec Fred Ventura, et même Twisted Wires, où, là encore, c’est un gars qui chante. Mais c’est vrai que les groupes qui m’attirent le plus sont ceux où l’on entend une voix féminine. C’est important pour moi de m’associer à des chanteuses, surtout dans un monde tellement dominé par les hommes. Musicalement, les intonations féminines ont quelque chose d’unique, un truc instinctif que je ne retrouve pas chez les mâles. Plus il y a de malaises enfouis et de difficultés à surmonter, plus les voix expriment quelque chose. Je ne parle pas des paroles, mais du son de la voix. Les textes d’Ida sont incroyables, mais c’est sa texture vocale qui dégage le plus d’émotions. On peut comparer ça à la batterie : les hommes et les femmes ne jouent pas du tout de la même manière, or, la batterie et la voix sont les éléments les plus instinctifs, les plus primaux de la musique.
Quelles femmes aimerais-tu faire chanter ?
Mmmhhh, disons, Brigitte Bardot et Alicia Keys. Elles n’ont rien en commun, mais leur timbre est chaud, solaire, sans être maniéré pour autant. Tiens, d’ailleurs, Brigitte Bardot et Ida sont nées toutes les deux un 28 septembre ! (Rires). Peut-être que je devrais faire chanter toutes celles qui sont nées ce jour-là ! (ndlr. Précisons à Jojo qu’un autre joyau national est né un 28 septembre : Nolwenn Leroy).
Est-ce que tu n’es pas en train devenir schizophrène avec tous ces projets ?
J’étais schizo à la base, c’est pour ça que j’ai fait tout ça. Je suis gémeaux, c’est le signe des multiples personnalités, des goûts éclatés. Ça se ressent aussi dans mes influences. J’ai d’abord écouté de la noïze, puis des BO, puis de la musique expérimentale. Participer à plusieurs groupes en même temps est essentiel pour moi, même si cet été, je me suis consacré à 100% au nouvel album de Chromatics. J’aurais aimé aussi prendre le temps d’écrire un peu pour Desire et Glass Candy, mais je n’ai pu que prendre quelques notes. Ce nouveau disque des Chromatics me tient très à cœur, le défit étant de ne pas reproduire un deuxième Night Drive. Cet album a connu un tel succès et a été si influent que, pour sa suite, je ne voulais pas tomber dans l’auto-caricature, dans la facilité. Les deux ans et demi qui séparent les deux enregistrements furent nécessaires, histoire de prendre du recul, de marquer une distance. Le nouveau Chromatics sera meilleur, car enrichi par l’expérience Desire. J’ai pu étrenner d’autres ambiances grâce à Natty (ndlr. Nat Walker, batteur de Desire et Chromatics). On a passé beaucoup de temps ensemble. En fait, tous les projets s’influencent positivement et me permettent d’évoluer constamment, de ne pas sombrer dans la redite.
Quelles seraient les trois chansons les plus représentatives du son Johnny Jewel ?
Running Up That Hill de Chromatics. Don’t Call de Desire. Candy Castle de Glass Candy.
As-tu d’autres projets pour l’après-Chromatics ?
Déjà, dès notre retour au bercail, on aura six semaines pour finir d’écrire nos nouvelles compositions : quatre nouveaux morceaux de Glass Candy, quatre autres de Desire, trois de Chromatics, et deux de Mirage. En ce qui concerne les parutions, le calendrier sera très serré : le double LP des Chromatics, l’album de Farah, le maxi de Mirage, l’album de Glass Candy, et pour finir, l’album de Desire. D’ailleurs, quand j’y pense, c’est dingo le nombre de chansons sur lesquelles je bosse en ce moment. 82 morceaux ! Et je sais déjà que 67 d’entre eux seront retenus. C’est juste une question de temps, maintenant.
